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SUMMARY:Komponierende Romantikerinnen einst und jetzt …  | live recording
DESCRIPTION:  \n\nMarei Seuthe – Cello\, Stimme\nSigrid Sachse – Piano \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\nSigrid Sachse & Marei Seuthe © Jane Dunker\nDie Cellistin Marei Seuthe und die Pianistin Sigrid Sachse haben sich vor mehr als zehn Jahren gefunden\, um Duoprogramme abseits vom Mainstream zu entwickeln. Eigene Kompositionen verbinden oder kontrastieren sie hierbei mit neu zu entdeckenden Werken unterschiedlicher Epochen. \nhttps://www.mareiseuthe.de/ \nhttps://sachsemusik.de/sigrid/ \nIn diesem Konzert widmen sie sich komponierenden Frauen der klassisch-romantischen Epoche wie Emilie Mayer\, Fanny Hensel und Rita Strohl. Die hochkarätigen Kompositionen dieser immer noch viel zu wenig bekannten Komponistinnen warten nur auf ihre Integration in den regulären Konzertbetrieb. \n\nGefördert von:\n \n\n\n\n\n\n\n\nMarei Seuthe – cello\, voice\nSigrid Sachse – piano\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\nCellist Marei Seuthe and pianist Sigrid Sachse got together more than ten years ago to develop duo programs that are a bit different from the mainstream. They mix or contrast their own compositions with works from different eras that are waiting to be discovered. \nhttps://www.mareiseuthe.de/ \nhttps://sachsemusik.de/sigrid/ \nIn this concert\, they focus on female composers of the classical-romantic era such as Emilie Mayer\, Fanny Hensel\, and Rita Strohl. The high-quality compositions of these still far too little-known composers are just waiting to be integrated into the regular concert repertoire.
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SUMMARY:IdN ACHSE by Max Autsch | live recording
DESCRIPTION:Stefan Karl Schmid – Tenorsaxophon\nReza Askari – Bass\nMax Autsch – Schlagzeug & Komposition\n \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\ntop left Reza Askari © Ferry Morh ; top right © Marino Thorlasius ; bottom Max Autsch © Luise Anna Heinig\nMit dem Trio IdN Achse entwickelt der Jazz-Schlagzeuger Max Autsch sein Projekt „Interaktion durch Nichtspielen“ weiter – konzentriert auf die Essenz des Zusammenspiels und Raum für Neues. Gemeinsam mit Stefan Karl Schmid (Tenorsaxophon) und Reza Askari (Bass) erkundet er die fragile Balance zwischen Aktivität und Zurückhaltung\, Dichte und Raum\, Risiko und Ruhe.\nIn dieser kompakten Besetzung entsteht die Grundlage für einen Klangraum zeitgenössischer Musik\, der zu einem Vortrag aus greifbarer kompositorischer Verrücktheit und delikatem Instrumentalspiel führt und musikalische Interaktion vielleicht sogar neu denkt. \nhttps://unitrecords.com/artists/max-autsch/ \nhttps://www.reza-askari.com/ \nhttps://www.stefankarlschmid.net/ \n  \n\n\n  \n\n\n\n\n\n\nStefan Karl Schmid – tenor saxophone\nReza Askari – bass\nMax Autsch – drums & composition\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\nWith the trio IdN Achse\, jazz drummer Max Autsch continues to develop his project “Interaction through Not Playing” – focusing on the essence of ensemble playing and creating space for something new. Together with Stefan Karl Schmid (tenor saxophone) and Reza Askari (bass)\, he explores the fragile balance between activity and restraint\, density and space\, risk and calm.\nThis compact ensemble creates the basis for a sound space of contemporary music that leads to a performance of tangible compositional madness and delicate instrumental playing\, perhaps even rethinking musical interaction.
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SUMMARY:Johansson / Jarret / Von Martens
DESCRIPTION:Karin Johansson – Piano\nPaul Jarret – Gitarre\nDonovan Von Martens – Bass \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\n© Donovan Von Martens\nDrei Improvisationskünstler*innen aus Schweden und Frankreich kommen zusammen\, um zarte akustische Klanglandschaften zu schaffen\, in denen Stille\, Dialog und subtiles Zusammenspiel den Kern ihrer vom Mond inspirierten Improvisationen bilden. Ihr 2024 erschienenes Album Hémisphère/Hemisfär (Havtorn Records) präsentiert eine reichhaltige Klangpalette aus Gitarre\, Klavier und Kontrabass und lädt die Zuhörer zu intimen und atmosphärischen musikalischen Reisen ein. \nhttps://www.impra.se/en/karinjohansson \nhttps://www.pauljarret.com/ \nhttps://www.donovanvonmartens.com/ \n„Man hört Anklänge an den Minimalismus von Morton Feldman\, das freie Spiel von Derek Bailey\, den Impressionismus von Claude Debussy. Aber die Schärfe der Musik ist nicht das Ergebnis stilistischer Reinheit. Sie hat vielmehr mit der offenen und freien Haltung gegenüber dem gemeinsamen Musizieren zu tun.“\nMagnus Haglund\, Schriftsteller und Kritiker\, Göteborg \n„Hémisphère / Hemisfär“ lässt das beeindruckende und beeindruckende Werk dreier Musiker vermuten\, von denen jeder seine eigene musikalische Sprache hat und die sich voll und ganz der exquisiten Kunst des Augenblicks hingeben.“\nEyal Hareuveni für Salt Peanuts \n\nGefördert von:\n \n\nKlingt so: \n\n\n\n\n\nKarin Johansson – piano\nPaul Jarret – guitar\nDonovan Von Martens – bass \n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\nThree improvisers from Sweden and France come together to create delicate acoustic soundscapes\, where silence\, dialogue\, and subtle interplay form the heart of their lunar-inspired improvisations. Their 2024 album Hémisphère/Hemisfär (Havtorn Records) showcases a rich tapestry of guitar\, piano\, and double bass\, inviting listeners into intimate and atmospheric musical journeys. \n„You can hear echoes from the minimalism of Morton Feldman\, the freeform playing of Derek Bailey\, the impressionism of Claude Debussy. But the sharpness of the music is not the result of stylistic purity. It is has to do with the open and free attitude to what it means to make music together.“\nMagnus Haglund\, writer and critic\, Gothenburg. \n„Hémisphère / Hemisfär suggests the impressive and commanding work of three musicians\, each one with his idiosyncratic musical language\, who are fully immersed in the exquisite art of the moment.“\nEyal Hareuveni for Salt Peanuts
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SUMMARY:SOLO Festival by Robert Landfermann - day 01 | live recording
DESCRIPTION:Robert Landfermann – Bass \nJulia Sanjurjo – Stimme \nMaria Cozzani – Violine \nVictor „Big Breezy“ Fox – Saxophone \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\nVictor „Big Breezy“ Fox © Gerhard Richter ; Julia Sanjurjo © Jimena Nacht ; Robert Landfermann © Patrick Essex ; Maria Cozzani by artist\nDieses 2-tägige Festival widmet sich ganz der Solo Improvisation.  \nDie Künstler*innen auf diesem Festival sind keine bloßen Interpret*innen bestehender Werke. Sie sind Schöpfer*innen\, die in der vollen Freiheit ihrer eigenen Improvisationen agieren.\nMit ihren Instrumenten\, ihrer Stimme\, oder ganz allein mit dem\, was sie tun können\, erfinden sie die Musik im Moment. Es gibt keine festen Melodien\, keine traditionellen Formen\, keine Vorgaben – nur das hier und jetzt\, die rohe\, ungeschliffene Kreativität. \n„Music is for me a constant dialogue with myself. In silence\, I find the space where I can connect with the music—without external distractions. When I’m alone with my instrument\, I’m in my full power.“\nBillie Holiday \n„Es gibt Momente\, in denen Musik nur dann existiert\, wenn sie in der Stille und im Alleinsein geboren wird. Die besten Kompositionen kommen nicht durch den Lärm der Welt\, sondern durch den Dialog mit sich selbst.“\nJohann Sebastian Bach \n„Jazz is a very personal music. When I play alone\, I listen to myself and let the melodies come from within. There’s no room for wrong notes—it’s a conversation with myself and my music.“\nMary Lou Williams \n„Jazz is like a journey into the unknown. When I play alone\, I can tear down all the walls that might hold me back. The music takes me on a journey that only I can understand. Playing alone means freeing myself from everything that stands in my way.“John Coltrane \n\nMaria Isolina Cozzani (*1994) ist eine deutsch-italienische Violinistin\, Komponistin und Multimediakünstlerin mit Sitz in Köln. Ihre musikalische Sprache bewegt sich souverän zwischen Klassik\, Jazz\, zeitgenössischer Musik und freier Improvisation – eine Bandbreite\, die sie in Orchestern\, Kammermusikensembles und interdisziplinären Projekten quer durch Europa unter Beweis stellt. Cozzani absolvierte ihren Master of Music an der renommierten ArtEZ Hochschule für Künste\, wo sie die Verbindung von Klang\, Raum\, Bild und Licht als kompositorisches Prinzip entwickelte. Ihr künstlerisches Schaffen verbindet Musik konsequent mit visuellen und performativen Elementen. \nhttps://www.mariaisolinacozzani.com \nVictor „Big Breezy“ Fox (*2000\, Seligenstadt) zählt zu den bemerkenswertesten Jazztalenten seiner Generation. Seit seinem neunten Lebensjahr spielt er Saxophon\, von 2016 bis 2018 war er Mitglied des Bundesjazzorchesters als Erster Tenorsaxophonist – laut Offenbach Post der mit Abstand jüngste Musiker seit Gründung der Formation.\nInternationale Tourneen führten ihn in Länder wie die USA\, Ecuador\, China\, Indien und England\, wo er auf der Bühne u.a. mit Dee Dee Bridgewater\, Branford Marsalis\, Evan Parker und Peter Brötzmann zusammentraf.\nHeute lebt und arbeitet er als Saxophonist\, Bassklarinettist\, Komponist und Improvisator in Köln\, und bewegt sich souverän zwischen Jazz\, Improvisation und Avantgarde. \nhttps://de.wikipedia.org/wiki/Victor_Fox_(Jazzmusiker) \nJulia Sanjurjo wurde in Mar del Plata\, Argentinien\, geboren und ist eine vielseitige Sängerin\, Komponistin und Arrangeurin\, deren künstlerisches Schaffen sich an der Schnittstelle von zeitgenössischer Musik\, Jazz und improvisierter Musik bewegt. Sie schloss ihr Kompositionsstudium an der Nationalen Universität in Argentinien ab und absolvierte anschließend ein Masterstudium in Jazz-Komposition und Arrangement an der Hochschule für Musik und Tanz Köln.\nAls Komponistin und Arrangeurin arbeitete sie mit renommierten Ensembles zusammen\, darunter das Nationale Orchester für Argentinische Musik und das Akademische Orchester des Teatro Colón. Als Solistin kollaborierte sie mit Musikerpersönlichkeiten wie Heiner Goebbels und Joëlle Léandre und trat zuletzt am IRCAM – Centre Pompidou in Paris auf.\nSie war Stipendiatin des Nationalen Fonds für die Künste (2015\, 2017\, 2020) sowie des Mozarteums Argentinien (2022) und lebt heute in Köln. \nRobert Landfermann zählt zu den markantesten Stimmen des zeitgenössischen europäischen Jazz. Der 1982 in Oberwinter geborene Kontrabassist und Komponist studierte bei Dieter Manderscheid an der Musikhochschule Köln und arbeitete mit Musikern wie John Scofield\, Lee Konitz\, Joachim Kühn\, Tomasz Stanko und Chris Potter. Konzerttouren führten ihn durch über 50 Länder auf allen Kontinenten. Als Mitbegründer des einflussreichen Kölner Jazzkollektivs KLAENG und langjähriges Mitglied des Pablo Held Trios hat er sich als zentrale Figur der Kölner Jazzszene etabliert. 2022 wurde er mit dem Deutschen Jazzpreis in der Kategorie Bass (national) ausgezeichnet. Mit seinem Quintett und zahlreichen Eigenprojekten – darunter die Alben Night Will Fall\, Brief und zuletzt Rhenus – verbindet Landfermann kompositorische Präzision mit leidenschaftlicher Improvisationskunst. \n\nhttps://robertlandfermann.com/ \n\n\n\nRobert Landfermann – bass \nJulia Sanjurjo – voice \nMaria Cozzani – violine \nVictor „Big Breezy“ Fox – saxophones \n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\nThis two-day festival is dedicated entirely to solo improvisation. \nThe artists at this festival are not mere interpreters of existing works. They are creators who act in the complete freedom of their own improvisations.\nWith their instruments\, their voices\, or simply with what they can do\, they invent music in the moment. There are no fixed melodies\, no traditional forms\, no guidelines—just the here and now\, raw\, unpolished creativity. \n„Music is for me a constant dialogue with myself. In silence\, I find the space where I can connect with the music—without external distractions. When I’m alone with my instrument\, I’m in my full power.“\nBillie Holiday \n“There are moments when music only exists when it is born in silence and solitude. The best compositions do not come through the noise of the world\, but through dialogue with oneself.”\nJohann Sebastian Bach \n„Jazz is a very personal music. When I play alone\, I listen to myself and let the melodies come from within. There’s no room for wrong notes—it’s a conversation with myself and my music.“\nMary Lou Williams \n„Jazz is like a journey into the unknown. When I play alone\, I can tear down all the walls that might hold me back. The music takes me on a journey that only I can understand. Playing alone means freeing myself from everything that stands in my way.“John Coltrane \n\n\nMaria Isolina Cozzani (born 1994) is a German-Italian violinist\, composer\, and multimedia artist based in Cologne. Her musical language moves confidently between classical\, jazz\, contemporary music\, and free improvisation—a range she demonstrates in orchestras\, chamber music ensembles\, and interdisciplinary projects across Europe. Cozzani completed her Master of Music at the renowned ArtEZ University of the Arts\, where she developed the connection between sound\, space\, image\, and light as a compositional principle. Her artistic work consistently combines music with visual and performative elements. \nhttps://www.mariaisolinacozzani.com \nVictor “Big Breezy” Fox (born 2000\, Seligenstadt) is one of the most remarkable jazz talents of his generation. He has been playing the saxophone since the age of nine and was a member of the German National Youth Jazz Orchestra as first tenor saxophonist from 2016 to 2018 – according to the Offenbach Post\, by far the youngest musician since the orchestra was founded.\nInternational tours have taken him to countries such as the USA\, Ecuador\, China\, India\, and England\, where he has shared the stage with Dee Dee Bridgewater\, Branford Marsalis\, Evan Parker\, and Peter Brötzmann\, among others.\nToday\, he lives and works as a saxophonist\, bass clarinetist\, composer\, and improviser in Cologne\, moving confidently between jazz\, improvisation\, and avant-garde. \nhttps://de.wikipedia.org/wiki/Victor_Fox_(Jazzmusiker) \n\nJulia Sanjurjo was born in Mar del Plata\, Argentina\, and is a versatile singer\, composer\, and arranger whose artistic work lies at the intersection of contemporary music\, jazz\, and improvised music. She completed her composition studies at the National University in Argentina and then went on to earn a master’s degree in jazz composition and arrangement at the Cologne University of Music and Dance.\nAs a composer and arranger\, she has worked with renowned ensembles\, including the National Orchestra of Argentine Music and the Academic Orchestra of the Teatro Colón. As a soloist\, she has collaborated with musicians such as Heiner Goebbels and Joëlle Léandre and most recently performed at IRCAM – Centre Pompidou in Paris.\nShe was a scholarship holder of the National Fund for the Arts (2015\, 2017\, 2020) and the Mozarteum Argentina (2022) and now lives in Cologne. \nRobert Landfermann is one of the most distinctive voices in contemporary European jazz. Born in Oberwinter in 1982\, the double bassist and composer studied with Dieter Manderscheid at the Cologne University of Music and worked with musicians such as John Scofield\, Lee Konitz\, Joachim Kühn\, Tomasz Stanko\, and Chris Potter. Concert tours have taken him to over 50 countries on all continents. As co-founder of the influential Cologne jazz collective KLAENG and a long-time member of the Pablo Held Trio\, he has established himself as a central figure in the Cologne jazz scene. In 2022\, he was awarded the German Jazz Prize in the bass (national) category. With his quintet and numerous solo projects—including the albums Night Will Fall\, Brief\, and most recently Rhenus—Landfermann combines compositional precision with passionate improvisation. \nhttps://robertlandfermann.com/
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SUMMARY:SOLO Festival by Robert Landfermann – day 02 | live recording
DESCRIPTION:Elisabeth Coudoux – Cello \nFelix Hauptmann – Piano \nCarlotta Armbruster – Posaune \nMarius Lamm – Schlagwerk \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\nElisabeth Coudoux © Cristina Marx ; Felix Hauptmann © Inês Pizarro Correia ; Carlotta Armbruster © Gerhard Richter ; Marius Lamm\nDieses 2-tägige Festival widmet sich ganz der Solo Improvisation.  \nDie Künstler*innen auf diesem Festival sind keine bloßen Interpret*innen bestehender Werke. Sie sind Schöpfer*innen\, die in der vollen Freiheit ihrer eigenen Improvisationen agieren.\nMit ihren Instrumenten\, ihrer Stimme\, oder ganz allein mit dem\, was sie tun können\, erfinden sie die Musik im Moment. Es gibt keine festen Melodien\, keine traditionellen Formen\, keine Vorgaben – nur das hier und jetzt\, die rohe\, ungeschliffene Kreativität. \n„Music is for me a constant dialogue with myself. In silence\, I find the space where I can connect with the music—without external distractions. When I’m alone with my instrument\, I’m in my full power.“\nBillie Holiday \n„Es gibt Momente\, in denen Musik nur dann existiert\, wenn sie in der Stille und im Alleinsein geboren wird. Die besten Kompositionen kommen nicht durch den Lärm der Welt\, sondern durch den Dialog mit sich selbst.“\nJohann Sebastian Bach \n„Jazz is a very personal music. When I play alone\, I listen to myself and let the melodies come from within. There’s no room for wrong notes—it’s a conversation with myself and my music.“\nMary Lou Williams \n„Jazz is like a journey into the unknown. When I play alone\, I can tear down all the walls that might hold me back. The music takes me on a journey that only I can understand. Playing alone means freeing myself from everything that stands in my way.“John Coltrane \n\nElisabeth Coudoux ist eine der markantesten Stimmen der europäischen Improvisationsszene. Die 1985 geborene Cellistin führte die Suche nach neuen Klängen und Spieltechniken vom klassischen Instrumentalstudium über den Jazz zur Neuen Musik und freien Improvisation. Sie studierte Violoncello an der Hochschule für Musik Carl Maria von Weber Dresden und setzte ihr Studium anschließend an der Hochschule für Musik und Tanz Köln im Fach Jazzcello fort.\nCoudoux steht an der Schnittstelle unterschiedlicher musikalischer Genres: freie Improvisation\, experimentelle Musik\, Neue komponierte Musik und Jazz. Das Ausloten des Klangspektrums ist für sie eine sich stets ausweitende Suche nach der eigenen Stimme – aus der Analyse intuitiver Bewegungsmuster entstehen poetische Miniaturen\, geräuschhafte Geschichten werden erzählt und unbekannte Klanglandschaften erkundet.\nNeben eigenen Projekten\, darunter das Emißatett\, für das sie auch komponiert\, arbeitet sie in interdisziplinären Projekten mit Tänzern\, visuellen Künstlern und Schriftstellern zusammen. Sie ist zudem Mitglied des Ensembles Zeitkratzer sowie NICA-Stipendiatin und war langjährige Vorstandsmitglied von IMPAKT e.V.\nCoudoux ist auf Festivals und Konzertreihen weltweit zu erleben\, darunter das All Ears Festival\, das Moers Festival und das Météo Festival. \nhttps://www.elisabethcoudoux.com/ \nFelix Hauptmann (*1993 in Saarbrücken) lebt und arbeitet seit 2012 als Pianist und Komponist in Köln. Als Teil der jungen\, progressiven Jazzszene hat er sich eine eigenständige musikalische Sprache erarbeitet\, die strukturierte Komposition und freie Improvisation auf unverwechselbare Weise verbindet.\nIm Zentrum seines Schaffens steht die subtile Balance zwischen Klangfarbe\, rhythmischer Vielschichtigkeit und kompositorischer Freiheit – sichtbar vor allem in seinem Trio PERCUSSION sowie in seiner Arbeit mit analogen Synthesizern. Seine Musik bewegt sich souverän zwischen zeitgenössischer E-Musik und improvisierter Spielweise.\nHauptmann wurde 2022 mit dem Jazzpreis der Stadt Köln ausgezeichnet\, seit 2024 ist er NICA-Stipendiat. Felix unterrichtet Jazzpiano and Ensemble at the Hochschule für Musik Saar\, Saarbrücken. \nhttps://felixhauptmann.com/ \nCarlotta Armbruster (*2004) zählt zu den aufregendsten jungen Stimmen der deutschen Jazzszene. Mit neun Jahren begann sie klassische Posaune zu spielen\, bevor sie 2018 zur Jazzposaune wechselte. Nach einem Vorstudium in ihrer Geburtsstadt Stuttgart setzt sie ihr Bachelorstudium an der HfMT Köln bei Shannon Barnett fort.\nIhr stilistisches Spektrum reicht von frei improvisierter Musik über intime Duo- und Triobesetzungen bis hin zu größeren Ensembles und Bigbands. Sie war Mitglied im Bundesjazzorchester und spielte mit dem Euroradio Jazz Orchestra der European Broadcasting Union Konzerte in Litauen. Engagements führten sie u. a. zur WDR Bigband sowie zu renommierten Festivals wie der Cologne Jazzweek.\nDie Frankfurter Allgemeine Zeitung lobt sie als „großartige neue Stimme auf der Jazzposaune„. Mit ihrem Duo PLEXUS gewann sie den Hauptpreis bei Jugend Jazzt sowie den renommierten Biberacher Jazzpreis. \nhttps://carlottaarmbruster.wordpress.com/ \n\nMarius Lamm ist ein vielseitiger Schlagzeuger\, Improvisationskünstler\, Komponist und Produzent aus Köln. Aufgewachsen in Essen\, ist er heute in nationalen und internationalen Ensembles der modernen\, kreativen Musikszene aktiv und hat sich auf konzeptionelle sowie freie Improvisation spezialisiert.\nMusikalisch sozialisiert durch Punk\, Metal und Underground-Konzerte\, absolvierte er seinen Bachelor in Jazz an der ArtEZ Arnhem sowie seinen Master an der Hochschule für Musik und Tanz Köln. Als Produzent schuf er sein Soloprojekt FELLENBLECH und die EP VEATS – beide in Eigenproduktion. Darüber hinaus arbeitet er interdisziplinär\, etwa mit dem Kunstprojekt Tatraum Projekte Schmidt aus Düsseldorf\, das Musik\, Theater und visuelle Kunst verbindet. \nhttps://www.mariuslamm.com/ \n\n\n\nElisabeth Coudoux – cello \nFelix Hauptmann – piano \nCarlotta Armbruster – trombone \nMarius Lamm – drums & percussion \n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\nThis two-day festival is dedicated entirely to solo improvisation. \nThe artists at this festival are not mere interpreters of existing works. They are creators who act in the complete freedom of their own improvisations.\nWith their instruments\, their voices\, or simply with what they can do\, they invent music in the moment. There are no fixed melodies\, no traditional forms\, no guidelines—just the here and now\, raw\, unpolished creativity. \n„Music is for me a constant dialogue with myself. In silence\, I find the space where I can connect with the music—without external distractions. When I’m alone with my instrument\, I’m in my full power.“\nBillie Holiday \n“There are moments when music only exists when it is born in silence and solitude. The best compositions do not come through the noise of the world\, but through dialogue with oneself.”\nJohann Sebastian Bach \n„Jazz is a very personal music. When I play alone\, I listen to myself and let the melodies come from within. There’s no room for wrong notes—it’s a conversation with myself and my music.“\nMary Lou Williams \n„Jazz is like a journey into the unknown. When I play alone\, I can tear down all the walls that might hold me back. The music takes me on a journey that only I can understand. Playing alone means freeing myself from everything that stands in my way.“John Coltrane \n\n\n\nElisabeth Coudoux is one of the most distinctive voices on the European improvisation scene. Born in 1985\, the cellist’s search for new sounds and playing techniques took her from classical instrumental studies to jazz\, new music\, and free improvisation. She studied violoncello at the Carl Maria von Weber University of Music in Dresden and then continued her studies at the Cologne University of Music and Dance\, specializing in jazz cello.\nCoudoux stands at the intersection of different musical genres: free improvisation\, experimental music\, new composed music\, and jazz. For her\, exploring the sound spectrum is an ever-expanding search for her own voice—poetic miniatures emerge from the analysis of intuitive movement patterns\, noisy stories are told\, and unknown soundscapes are explored.\nIn addition to her own projects\, including the Emißatett\, for which she also composes\, she collaborates in interdisciplinary projects with dancers\, visual artists\, and writers. She is also a member of the Zeitkratzer ensemble\, a NICA scholarship holder\, and was a long-time board member of IMPAKT e.V.\nCoudoux can be seen at festivals and concert series worldwide\, including the All Ears Festival\, the Moers Festival\, and the Météo Festival. \nhttps://www.elisabethcoudoux.com/ \n\nFelix Hauptmann (born in Saarbrücken in 1993) has lived and worked in Cologne as a pianist and composer since 2012. As part of the young\, progressive jazz scene\, he has developed a distinctive musical language that uniquely combines structured composition and free improvisation.\nAt the heart of his work lies the subtle balance between timbre\, rhythmic complexity\, and compositional freedom—most evident in his trio PERCUSSION and in his work with analog synthesizers. His music moves confidently between contemporary art music and improvisational performance.\nHauptmann was awarded the City of Cologne Jazz Prize in 2022 and has been a NICA fellow since 2024. Felix teaches jazz piano and ensemble at the Saar College of Music in Saarbrücken. \nhttps://felixhauptmann.com/ \n\nCarlotta Armbruster (born in 2004) is one of the most exciting young voices on the German jazz scene. She began playing classical trombone at the age of nine before switching to jazz trombone in 2018. After completing her preliminary studies in her hometown of Stuttgart\, she is now continuing her bachelor’s degree at the HfMT Cologne with Shannon Barnett.\nHer stylistic spectrum ranges from freely improvised music to intimate duo and trio performances to larger ensembles and big bands. She was a member of the German National Youth Jazz Orchestra and played concerts in Lithuania with the European Broadcasting Union’s Euroradio Jazz Orchestra. Engagements have taken her to the WDR Big Band and renowned festivals such as Cologne Jazzweek.\nThe Frankfurter Allgemeine Zeitung praises her as a “great new voice on the jazz trombone.” With her duo PLEXUS\, she won the main prize at Jugend Jazzt and the renowned Biberacher Jazzpreis. \nhttps://carlottaarmbruster.wordpress.com/ \n\nMarius Lamm is a versatile drummer\, improvisational artist\, composer\, and producer from Cologne. Raised in Essen\, he is now active in national and international ensembles on the modern\, creative music scene and specializes in conceptual and free improvisation.\nMusically socialized by punk\, metal\, and underground concerts\, he completed his bachelor’s degree in jazz at ArtEZ Arnhem and his master’s degree at the Cologne University of Music and Dance. As a producer\, he created his solo project FELLENBLECH and the EP VEATS—both self-produced. In addition\, he works in an interdisciplinary manner\, for example with the art project Tatraum Projekte Schmidt from Düsseldorf\, which combines music\, theater\, and visual art. \nhttps://www.mariuslamm.com/
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SUMMARY:Gilbert Paeffgen Trio - Magisches Klangdreieck | live recording
DESCRIPTION:  \n\nFabian Müller – Piano\nClaude Meier – Bass\nGilbert Paeffgen – Schlagzeug & Hackbrett \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nGilbert Paeffgen Trio © Manu Friederich\nDer Schlagzeuger und Hackbrettspieler Gilbert Paeffgen gehört zu den immer wieder neu mit visionärem Ideenreichtum überraschenden Musikern aus der Schweiz.\nUnter eigenem Namen ist er seit über 25 Jahren mit dem eigenen Trio aktiv. Dieses prägt er nicht nur durch sein ausserordentlich filigranes und vielfarbiges Schlagzeugspiel\, sondern auch durch die hypnotischen Tonkaskaden\, die er dem Hackbrett entlockt. Steht das Eine für rhythmische Intensitaet mit oftmals zuendelnden Grooves\, so manifestiert das Andere folkloristisch gefärbte Gelassenheit.\nPaeffgen schuf sich mit dieser Formation eine Plattform\, auf welcher er sich sowohl als Schlagzeuger wie auch als Hackbrettspieler bewegen und forschen kann. Sein Herzensanliegen war und ist es ausserdem\, neben seiner Tätigkeit als Schlagzeuger das Traditionsinstrument Hackbrett in den musikalischen Prozess zu integrieren: das Hackbrett ist oftmals Ausgangspunkt seiner Kompositionen und live ein Teil der Konzert-Performance.\nZusammen mit Fabian M. Müller am Piano sowie dem Bassisten Claude Meier sind hier weltoffene Musiker am Werk\, in deren Schaffen sich Forschungsdrang und Formbewusstsein die Waage halten und die mit Klarheit und Ueberblick für einen Schwebezustand zwischen Trance und Traum und Tanz sorgen. \nhttps://gilbertpaeffgen.com/ \nhttps://fmsounds.ch/ \nhttps://www.claudemeier.ch/musik/ \n\n\nPresse: \n„Mit ihrem sechsten Album liefert das Gilbert Paeffgen Trio ein musikalisches Statement von erstaunlicher Tiefe und poetischer Leichtigkeit. Seit über zwei Jahrzehnten erforschen Gilbert Paeffgen (Hackbrett und Schlagzeug)\, Claude Meier (Bass) und Fabian M. Müller (Piano) die Grenzen zwischen Klangfarben\, Rhythmen und Stimmungen – und verwischen sie zugleich. „Der Mann auf dem Trampolin“\, inspiriert von einem faszinierenden Auftritt eines Trampolinkünstlers\, steht sinnbildlich für die Ästhetik des Trios: eine kunstvolle Balance zwischen Leichtigkeit und Schwerkraft\, Einfachheit und Komplexität\, Kontrolle und Loslassen. In dieser Musik schwingen Gegensätze in harmonischer Schwebe – getragen von einer tiefen künstlerischen Reife und einem unbändigen Forschergeist. Die scheinbar gegensätzlichen Klangwelten des Hackbretts und des Schlagzeugs verschmelzen hier mit der Transparenz des Pianos und dem erdenden Puls des Basses zu einem persönlichen\, atmosphärischen Sound. Das Album ist zugleich Rückblick und Aufbruch – eine musikalische Zwischenbilanz\, die das Erreichte – das Gilbert Paeffgen Trio existiert bereits ein Vierteljahrhundert —feiert und neue Horizonte aufzeigt. Ein poetisches\, zugleich kraftvolles Werk\, das seine eigene Sprache spricht – jenseits stilistischer Kategorien. Ein Muss für alle\, die Jazz nicht als Genre\, sondern als Haltung verstehen.“\nJAZZ FUN / Jacek Brun / Mai 2025 \n„….Dieses Album ist ein abgerundetes Meisterwerk…“\nJAZZ N`MORE / Richard Butz / Juli 2025 \n„Es ist einfach erfrischend\, dieses Album zu hören\, bewegt sich dessen Musik doch fernab jeglichen klischeebeladenen Materials…..“\nPIANO NEWS / Tom Fuchs / August 2025 \n\n\n\nKlingt so: \n\nund so: \n\n\n\nGefördert durch: \n          \n\n\n\n\n\n\nClaude Meier – bass\nFabian Müller – piano\nGilbert Paeffgen – drums & hammered dulcimer\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\nDrummer and hammered dulcimer player Gilbert Paeffgen is one of Switzerland’s most surprising musicians\, constantly delighting audiences with his visionary inventiveness.\nHe has been performing under his own name with his own trio for over 25 years. He shapes the trio not only with his extraordinarily delicate and colorful drumming\, but also with the hypnotic cascades of sound he coaxes from the hammered dulcimer. While the former stands for rhythmic intensity with often explosive grooves\, the latter manifests a folkloric serenity.\nWith this formation\, Paeffgen has created a platform on which he can move and explore both as a drummer and as a hammered dulcimer player. In addition to his work as a drummer\, it has always been his heartfelt desire to integrate the traditional instrument of the hammered dulcimer into the musical process: the hammered dulcimer is often the starting point for his compositions and is part of his live concert performances.\nTogether with Fabian M. Müller on piano and bassist Claude Meier\, these are cosmopolitan musicians at work\, whose creative output balances a thirst for exploration with an awareness of form\, and who\, with clarity and perspective\, create a state of suspension between trance\, dream\, and dance. \nhttps://gilbertpaeffgen.com/ \nhttps://fmsounds.ch/ \nhttps://www.claudemeier.ch/musik/ \n\n\nPresse: \n„With their sixth album\, the Gilbert Paeffgen Trio delivers a musical statement of astonishing depth and poetic lightness. For over two decades\, Gilbert Paeffgen (hammered dulcimer and drums)\, Claude Meier (bass)\, and Fabian M. Müller (piano) have been exploring the boundaries between timbres\, rhythms\, and moods—and blurring them at the same time. “Der Mann auf dem Trampolin” (The Man on the Trampoline)\, inspired by a fascinating performance by a trampoline artist\, symbolizes the trio’s aesthetic: an artful balance between lightness and gravity\, simplicity and complexity\, control and letting go. In this music\, opposites swing in harmonious suspension – carried by a deep artistic maturity and an irrepressible spirit of exploration. The seemingly contrasting sound worlds of the hammered dulcimer and drums merge here with the transparency of the piano and the grounding pulse of the bass to create a personal\, atmospheric sound. The album is both a retrospective and a new beginning – a musical interim review that celebrates what has been achieved – the Gilbert Paeffgen Trio has been around for a quarter of a century – and points to new horizons. A poetic yet powerful work that speaks its own language – beyond stylistic categories. A must for anyone who understands jazz not as a genre but as an attitude.“\nJAZZ FUN / Jacek Brun / Mai 2025 \n“This album is a well-rounded masterpiece…”\nJAZZ N`MORE / Richard Butz / Juli 2025 \n“It’s simply refreshing to listen to this album\, as its music moves far away from any cliché-laden material….”\nPIANO NEWS / Tom Fuchs / August 2025
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SUMMARY:AKW: Aardestrup Kimmig Wissel
DESCRIPTION:Jonathan Aardestrup – Bass\nHarald Kimmig – Violine\nGeorg Wissel – erweitertes Altsaxophon\, Klarinette \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nJonathan Aardestrup\, Harald Kimmig\, Georg Wissel\nDas neue Ensemble widmet sich einer zeitgenössischen improvisierten Kammermusik und vereint drei markante Stimmen der europäischen Improvisationsszene.\nJonathan Aardestrup\, Bassist aus der agilen Szene von Kopenhagen\, trifft mit Harald Kimmig\, Violinist aus Freiburg\, sowie Georg Wissel aus Köln an Saxophon und Klarinette auf zwei erfahrene Vertreter des Genres.\nGemeinsam entwickeln sie ein delikates Zusammenspiel\, das von feinen Klangfarben\, offener Form und aufmerksamem musikalischem Dialog geprägt ist. Als gewandte Improvisatoren gestalten sie Musik im Moment –  präzise\, risikofreudig und stets dem gemeinsamen Klang verpflichtet. \nKlingt so ähnlich:\nhttps://soundcloud.com/georg-wissel/sets/akw_aardestrup-kimmmig-wissel \n\n\nDer in Kopenhagen lebende Musiker\, Komponist\, Produzent und Organisator Jonathan Aardestrup hat sein künstlerisches Schaffen zwischen Unkonventionellem und Eingängigem ausbalanciert. Als  reigeistiger Bassist ist er stets bestrebt\, neue Wege zu beschreiten und sinnlose Wiederholungen zu vermeiden\, was zu einer kontinuierlichen Auseinandersetzung mit komponierter Originalmusik\, Improvisation und der Wechselbeziehung zwischen beiden führt. \nhttps://database.shareimpro.eu/en/person/jonathan-aardestrup \n\nHarald Kimmig ist improvisierender Musiker und Performer. In seinen Arbeiten erforscht er mit den Mitteln der Improvisation Klänge\, künstlerische Formen und deren interdisziplinäre Wechselwirkungen mit anderen Künsten. Auf virtuose Art kombiniert er auf dem Instrument erzeugte Geräusche mit konventionellem Violinspiel und entwickelte über die Jahre einen unverwechselbaren Sound und Stil. \nhttps://www.haraldkimmig.de/ \nGeorg Wissel -sculptor of compressed air- begann Ende der 1990er Jahre\, nicht nur neue Spieltechniken zu erforschen\, sondern auch die Klangpalette seiner Instrumente durch Präparationen zu erweitern\, die seitdem ein fester Bestandteil seines Spiels geworden sind. Er ist ein versierter und international tätiger Klangforscher\, der mit seiner Spielweise zwischen Klang und Geräusch eigene musikalische Texturen schafft und so zum Gruppenverständnis der erweiterten Improvisation beiträgt. \nhttps://georgwissel.wordpress.com/ \n\n\n\n\nJonathan Aardestrup – bass\nHarald Kimmig – violine\nGeorg Wissel – augmented alto saxophone\, clarinet \nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\n\nThe new ensemble is dedicated to contemporary improvised chamber music and brings together three distinctive voices from the European improvisation scene.\nJonathan Aardestrup\, bassist from the agile Copenhagen scene\, meets Harald Kimmig\, violinist from Freiburg\, and Georg Wissel from Cologne on saxophone and clarinet\, two experienced representatives of the genre.\nTogether they develop a delicate interplay characterized by subtle timbres\, open form\, and attentive musical dialogue. As skilled improvisers\, they create music in the moment – precise\, risk-taking\, and always committed to the collective sound. \nKlingt so ähnlich:\nhttps://soundcloud.com/georg-wissel/sets/akw_aardestrup-kimmmig-wissel \n\nDer in Kopenhagen lebende Musiker\, Komponist\, Produzent und Organisator Jonathan Aardestrup hat sein künstlerisches Schaffen zwischen Unkonventionellem und Eingängigem ausbalanciert. Als  reigeistiger Bassist ist er stets bestrebt\, neue Wege zu beschreiten und sinnlose Wiederholungen zu vermeiden\, was zu einer kontinuierlichen Auseinandersetzung mit komponierter Originalmusik\, Improvisation und der Wechselbeziehung zwischen beiden führt. \nhttps://database.shareimpro.eu/en/person/jonathan-aardestrup \n\nHarald Kimmig is an improvisational musician and performer. In his work\, he uses improvisation to explore sounds\, artistic forms\, and their interdisciplinary interactions with other arts. He masterfully combines sounds produced on his instrument with conventional violin playing and has developed a distinctive sound and style over the years. \nhttps://www.haraldkimmig.de/ \nGeorg Wissel – sculptor of compressed air – began in the late 1990s not only to explore new playing techniques\, but also to expand the sound palette of his instruments through preparations that have since become an integral part of his playing. He is an accomplished and internationally active sound researcher who creates his own musical textures with his playing style between sound and noise\, thus contributing to the group’s understanding of extended improvisation. \nhttps://georgwissel.wordpress.com/
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SUMMARY:Piano Duo: Elias Stemeseder & Georg Vogel
DESCRIPTION:Elias Stemeseder – Piano\nGeorg Vogel – Piano \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nElias Stemeseder & Georg Vogel © Eckhart Derschmidt\nPräsentiert wird an diesem Abend ein neues Programm für zwei Flügel\, zusammengestellt aus verschiedenen kompositorischen Zyklen der beiden Pianisten – in Erweiterung des Repertoires ihres Debut-Tonträgers DDIOFEO (Schattellit\, 2022). \nDer Zugang zu verschiedenartiger Beschaffenheit und Intensität im Zusammenklang über ein übergreifendes Tongruppendenken stellt die Ausgangsbasis dar\, um variable Definitionen von Kon- & Dissonanz auf temporären Ebenen aufzuteilen\, und diese über ein sensibilisiertes Selbstverständnis der Zwölftönigkeit miteinander kommunizieren zu lassen. Dieses Bewusstseit zur variablen Klammersetzung lässt in diesem Duo-Repertoire unterschiedliche diesbezügliche Schwerpunkte zusammenkommen: ins hörbare Licht gerückt wird dabei vor allem auf improvisatorische Art und Weise. Auf der Grundlage vorausgehender breit gefächerter kompositorischer Konzeption kommt es dabei zu kombinatorisch vielzähligen temporären Rollenaufteilungen im vierhändigen Ensemble. Eindeutigerweise oder fließend ineinander verschränkt ergeben dabei zwanzig Finger einen plastischen\, gleichermaßen konzeptionell und spontan intuitiv modulierenden\, abwechselnd kontrahierenden und expandierenden Klangkörper.\nDie Dynamik der klanglichen Bewegungsart entwickelt sich auf einem Weg durch das abendliche Programm über kompositorisch vage wie höchstpräzise vorbestellte Felder aus der Feder der Pianisten. Dabei entsteht aus dem Aufeinandertreffen der offen in alle Richtungen ausgerichteten verinnerlichten improvisatorischen Ausdrucksmöglichkeiten eine permanent neu untersuchte Dringlichkeit zur Fortspinnung der im Moment geborenen Assioziationskette; auf dem Felde stark polyrhythmischer Gerüste\, in gewogener langsam getragener Gesanglichkeit\, bei impulsiver akkordaler Vehemenz\, bei Versteckspielen mit motivischer Eindeutigkeit\, bei der Untersuchung Verwandtschaften\, bei formalem Maskenspiel\, bei intervallischem Stabhochsprung gleichwohl wie beim Ausbreiten sanft auf und absteigender Klanghänge. \nhttps://www.georgvogel.net \nhttps://elias-stemeseder.com/ \n\nElias Stemeseder & Georg Vogel © Maria Jecel\nIm Spannungsfeld von Jazz\, Improvisation und elektronischer Musik zähl Elias Stemeseder (*1990 in Salzburg) zu den markantesten Pianisten und Klangforschern seiner Generation. Früh klassisch ausgebildet\, wandte er sich bereits als Jugendlicher intensiv dem Jazz zu und studierte unter anderem am Jazzinstitut Berlin\, wo er seine künstlerische Handschrift entscheidend formte.\nInternational bekannt wurde Stemeseder durch seine langjährige Zusammenarbeit mit dem US-Schlagzeuger Jim Black. Im Jim Black Trio sowie in weiteren Projekten entwickelte er eine eigenständige Klangsprache\, die rhythmische Komplexität\, harmonische Offenheit und klangliche Experimentierfreude verbindet. Neben dem akustischen Klavier arbeitet er intensiv mit Synthesizern\, Samplern und elektronischen Setups – stets mit dem Anspruch\, improvisierte Musik in neue klangliche Räume zu führen.\nStemeseder ist sowohl als Sideman wie auch als Bandleader gefragt und bewegt sich souverän zwischen europäischer und New Yorker Szene. Er arbeitete unter anderem mit dem Avantgarde-Komponisten John Zorn sowie zahlreichen prägenden Stimmen der zeitgenössischen Improvisationsmusik. Seine Projekte wie das Duo Stemeseder-Lillinger stehen exemplarisch für eine kompromisslose\, energiegeladene Ästhetik zwischen Jazz\, Neuer Musik und elektroakustischer Forschung.\nEin künstlerischer Meilenstein ist sein Soloalbum Piano Solo (2022) beim Schweizer Label Intakt Records. Darauf zeigt sich seine ganze Bandbreite: von fragiler\, introspektiver Klangpoesie bis zu strukturell dichten\, rhythmisch vielschichtigen Improvisationen. Das Album unterstreicht seinen Ruf als Pianist mit außergewöhnlicher formaler Klarheit und klanglicher Vision.\n2023 wurde Stemeseder mit dem Deutscher Jazzpreis als Pianist/Keyboarder des Jahres ausgezeichnet. Zudem war er „Artist in Residence“ im legendären New Yorker Venue The Stone\, einem zentralen Ort für avantgardistische Musik.\nHeute pendelt Elias Stemeseder zwischen Europa und den USA und gilt als prägende Stimme einer Generation\, die Jazz nicht als Stil\, sondern als offenes künstlerisches Forschungsfeld versteht. Seine Musik steht für radikale Neugier\, technische Präzision und die konsequente Erweiterung pianistischen Ausdrucks in akustische wie elektronische Dimensionen. \nGeorg Vogel (*1988 in Salzburg) ist ein österreichischer Pianist\, Komponist\, Improvisationsmusiker\, Instrumentenbauer und eine zentrale Figur der zeitgenössischen Jazz- und improvisierten Musikszene. Er wuchs in Salzburg auf und erhielt bereits seit 1995 klassischen Klavierunterricht; später studierte er Jazzpiano und Komposition an der Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien\, wo er 2011 seinen Bachelor mit Auszeichnung abschloss. Darüber hinaus besuchte er Workshops bei namhaften Musikerpersönlichkeiten wie Jim Black\, George Garzone\, Ralph Alessi und Drew Gress.\nVogel ist besonders bekannt für seine experimentelle Auseinandersetzung mit mikrotonalen Stimmungssystemen\, insbesondere mit 31-Töne-Systemen\, die weit über die herkömmliche 12-Töne-Oktave hinausgehen. Dafür hat er mehrere eigene Instrumente entwickelt und gebaut\, darunter verschiedene Varianten des 31-Ton-Claviton-Keyboards\, die ihm ermöglichen\, neuartige Klangwelten und erweiterte Tonräume zu realisieren.\nAls Musiker ist er in zahlreichen eigenen Formationen und Ensembles aktiv. Er leitet das Ensemble Dsilton (mit David Dornig und Valentin Duit) und ist Gründungsmitglied von Gruppen wie Flower (mit Raphael Preuschl und Michael Prowaznik) und Tree (mit Andreas Waelti und Prowaznik). Zudem spielt er im Trio GeoGeMa (mit Gerald Preinfalk und Matheus Jardim) und tritt regelmäßig als Solist oder in Duo-Besetzungen auf\, u. a. zusammen mit dem Pianisten Elias Stemeseder.\nVogels musikalischer Ansatz ist geprägt von einer tiefen Neugier auf rhythmische und harmonische Innovation\, Improvisation und dem Zusammenspiel von kompositorisch strukturierten Elementen mit freien klanglichen Erkundungen. Seine Werke bewegen sich an der Schnittstelle von Jazz\, Neuer Musik und experimenteller Tonforschung und gelten als inspirierend für die zeitgenössische Improvisationsszene.\nZu seinen Auszeichnungen gehören mehrere Preise aus frühen Jahren\, darunter der Fidelio-Wettbewerb der MUK in Wien (2009 und 2010)\, das Jahresstipendium für Musik des Landes Salzburg (2019) sowie der Förderungspreis für Musik der Stadt Wien (2024). \n\n\n\n\nKlingt so ähnlich:\nhttps://georgvogel.bandcamp.com/album/ddiofeo \n\n\n\n\n\n\n\nElias Stemeseder – piano\nGeorg Vogel – piano\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\nThis evening will feature a new program for two grand pianos\, compiled from various compositional cycles by the two pianists—expanding on the repertoire of their debut recording DDIOFEO (Schattellit\, 2022). \nThe approach to different textures and intensities in harmony through an overarching tonal group concept forms the basis for dividing variable definitions of consonance and dissonance into temporary levels and allowing them to communicate with each other through a sensitized understanding of twelve-tone music. This awareness of variable bracketing brings together different focal points in this duo repertoire: above all\, it is brought to audible light in an improvisational manner. Based on a broad compositional concept\, this results in a combinatorially numerous temporary division of roles in the four-handed ensemble. Clearly or fluidly intertwined\, twenty fingers create a plastic sound body that is both conceptually and spontaneously intuitive\, alternately contracting and expanding. \nThe dynamics of the tonal movement develop throughout the evening program via compositionally vague yet highly precise fields predetermined by the pianists. The encounter between the internalized improvisational expressive possibilities\, which are openly oriented in all directions\, gives rise to a constantly reexamined urgency to continue the chain of associations born in the moment; in the field of strongly polyrhythmic structures\, in measured\, slowly carried songfulness\, in impulsive chordal vehemence\, in hide-and-seek with motivic clarity\, in the examination of affinities\, in formal masquerading\, in intervallic pole vaulting\, as well as in the spreading of gently ascending and descending sound slopes. \nhttps://www.georgvogel.net/ \n\nhttps://elias-stemeseder.com/ \n\nAt the intersection of jazz\, improvisation\, and electronic music\, Elias Stemeseder (born in Salzburg in 1990) is one of the most distinctive pianists and sound explorers of his generation. Trained in classical music from an early age\, he turned his attention to jazz as a teenager and studied at the Jazz Institute Berlin\, among other places\, where he decisively shaped his artistic signature.\nStemeseder gained international recognition through his long-standing collaboration with US drummer Jim Black. In the Jim Black Trio and other projects\, he developed a unique sound language that combines rhythmic complexity\, harmonic openness\, and a joy of sonic experimentation. In addition to the acoustic piano\, he works intensively with synthesizers\, samplers\, and electronic setups—always with the aim of taking improvised music into new sonic spaces.\nStemeseder is in demand both as a sideman and as a bandleader\, moving confidently between the European and New York scenes. He has worked with avant-garde composer John Zorn and numerous influential voices in contemporary improvisational music. His projects\, such as the Stemeseder-Lillinger duo\, exemplify an uncompromising\, energetic aesthetic that blends jazz\, new music\, and electroacoustic research.\nHis solo album Piano Solo (2022)\, released on the Swiss label Intakt Records\, is an artistic milestone. It showcases his entire range: from fragile\, introspective sound poetry to structurally dense\, rhythmically complex improvisations. The album underscores his reputation as a pianist with exceptional formal clarity and tonal vision.\nIn 2023\, Stemeseder was awarded the German Jazz Prize as Pianist/Keyboardist of the Year. He was also Artist in Residence at the legendary New York venue The Stone\, a central location for avant-garde music.\nToday\, Elias Stemeseder commutes between Europe and the US and is considered the defining voice of a generation that understands jazz not as a style but as an open field of artistic exploration. His music stands for radical curiosity\, technical precision\, and the consistent expansion of pianistic expression into acoustic and electronic dimensions. \nGeorg Vogel (born in Salzburg in 1988) is an Austrian pianist\, composer\, improvisational musician\, instrument maker\, and a central figure in the contemporary jazz and improvised music scene. He grew up in Salzburg and began taking classical piano lessons in 1995; he later studied jazz piano and composition at the Music and Arts University of the City of Vienna\, where he graduated with honors in 2011. He also attended workshops with renowned musicians such as Jim Black\, George Garzone\, Ralph Alessi\, and Drew Gress.\nVogel is particularly well known for his experimental exploration of microtonal tuning systems\, especially 31-tone systems that go far beyond the conventional 12-tone octave. To this end\, he has developed and built several instruments of his own\, including various versions of the 31-tone Claviton keyboard\, which enable him to realize novel soundscapes and expanded tonal spaces.\nAs a musician\, he is active in numerous formations and ensembles of his own. He leads the ensemble Dsilton (with David Dornig and Valentin Duit) and is a founding member of groups such as Flower (with Raphael Preuschl and Michael Prowaznik) and Tree (with Andreas Waelti and Prowaznik). He also plays in the trio GeoGeMa (with Gerald Preinfalk and Matheus Jardim) and performs regularly as a soloist or in duos\, including with pianist Elias Stemeseder.\nVogel’s musical approach is characterized by a deep curiosity about rhythmic and harmonic innovation\, improvisation\, and the interplay of compositionally structured elements with free sonic explorations. His works move at the intersection of jazz\, new music\, and experimental sound research and are considered inspiring for the contemporary improvisation scene.\nHis awards include several prizes from his early years\, including the Fidelio Competition of the MUK in Vienna (2009 and 2010)\, the Annual Scholarship for Music of the Province of Salzburg (2019)\, and the Promotion Prize for Music of the City of Vienna (2024).
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SUMMARY:"40 Jahre LOFT?" Tag der Offenen Tür
DESCRIPTION:  \nDie Idee „LOFT“ begleitet Hans Martin Müller nun schon weit mehr als 40 Jahre: ein Unterrichtsraum für ihn sollte es sein\, und ein Konzertraum für andere. So mietete er schließlich am 1. April 1986 eine Etage direkt neben der Musikhochschule Köln (der heutigen Hochschule für Musik und Tanz Köln) in einem Hinterhof gelegen\, es war das erste LOFT\, welches an diesem Ort aus verschiedensten Gründen nicht lange existieren konnte.\nNach einem Umzug und 40 Jahre später ist aus dieser Idee an einem anderen Ort Geschichte geworden\, geschrieben von Musiker*innen\, vom Publikum\, und von all jenen\, die im Hintergrund dafür gesorgt haben\, dass aus dieser ersten Idee ein Zuhause wurde\, ermöglicht durch viel Initiative\, finanzielle Mittel\, Enthusiasmus und vor allem Zeit und Arbeit.\nZu diesem Anlass laden wir am Sonntag den 26. April 2026 ein zu einem Tag der Offenen Tür\, mit musikalischem Programm gestaltet von Institutionen und Musiker*innen der Kölner Szene\, die mit dem LOFT seit vielen Jahren & Jahrzehnten engstens verbunden sind. \nWir freuen uns sehr auf Ihren Besuch! \n\n(kurzfristige Änderungen im Programm möglich) \n14.30 Uhr – Rheinische Musikschule: Jazz Freshmen Quintett\nAmon Deep – Trompete\nJoschua Badde – Posaune\nYuki Yokota – Piano\nSoji Yokota – Bass\nMatteo Hölker – Schlagzeug \nca 15.00 Uhr – Bach in Overtones:\nGareth Lubbe – Violine\, Piano\, Stimme\nHugo Selzer – Piano\, Obertongesang \nca 15.30 Uhr – Offene Jazz Haus Schule: Skip Intro\nLinn Messmer – Stimme\nLaura Bergdoll – Saxophon & Stimme\nJulian Rubino – Gitarre\nAlam Neth – Keys\nBruno Ahrendt – Bass\nElian Greshake – Schlagzeug \nca. 16.00 Uhr – Brazilian Motions:\nMatthias Schriefl – Blechblasinstrumente\n\nCamila Ronza – Stimme & Perkussion\nBjarne Sitzmann – Gitarren\nJan Blikslager  – Bass\nJoão Raineri – Schlagzeug & Perkussion \n\nca. 16.30 Uhr – Standards Round the Globe\nStefan Karl Schmid – Saxophon\nSam Anning – Bass\nThomas Sauerborn – Schlagzeug \nca. 17.00 Uhr – Hochschule für Musik und Tanz Köln: Iara Serodio Quintett\nIara Sosalla Serodio – Tenorsaxophon\nLilith Walkenhorst – Stimme\nLiam Möller – Gitarre\nXaver Feest – Bass\nJakob Görris – Schlagzeug \nca 17.30 Uhr – Coudoux · Kintopf · Nillesen\nElisabeth Coudoux – Cello\nRoger Kintopf – Bass\nEtienne Nillesen – extended snare drum \nca. 18.00 Uhr – Simon Nabatov: Piano Solo \n– kurze Pause – \nca. 19.00 Uhr – Holz & Strom: Dudek & Huhn\nFabian Dudek – Saxophon & Elektronik\nLeonhard Huhn – Saxophon & Elektronik \nca. 19.30 Uhr – jungesloft BigBand\nJorik Bergman – Flöte\nPascal Klewer – Trompete\nSimon Bremen – Saxophon\nMaximilian Shaikh-Yousef – Saxophon\nKira Linn – Saxophon\nCarlotta Armbruster – Posaune\nFelix Hauptmann – Piano\nJan Lukas Roßmüller – Piano\nConrad Noll – Cello\nFlorian Herzog – Bass\nJakob Görris – Schlagzeug \nca. 20.00 Uhr – Fox · Hauptmann · Kintopf · Berger\nVictor Károly Fox – Saxophon\nFelix Hauptmann – Piano\nRoger Kintop – Bass\nLeif Berger – Drums\n \nca. 20.30 Uhr – Tamara Lukasheva & Hans Lüdemann\nTamara Lukasheva – Stimme\nHans Lüdemann – Piano \nca. 21.00 Uhr – altesloft\nTheresia Philipp – Saxophon\nJanning Trumann – Posaune\nFelix Hauptmann – Piano\nFlorian Herzog – Bass\nLeif Berger – Schlagzeug \nca. 21.30 Uhr – Bonnen Trio plus 8\nDietmar Bonnen – Keys \nRoman Fuchß – E-Bass \nMichael Pape – Schlagzeug \nLucia Mense – Flöte \nLothar Burghaus – Saxophon \nTheresia Philipp – Saxophon\nLeonhard Huhn – Saxophon\nShannon Barnett – Posaune\nBassem Hawar – Djoze\nChristian Lorenzen – Keys \nund\nHans-Martin Müller – Flöte & everything else \n\nThe idea of “LOFT” has been with Hans Martin Müller for more than 40 years now: it was to be a classroom for him and a concert hall for others. So\, on April 1st 1986\, he rented a floor right next to the Cologne University of Music (now the Cologne University of Music and Dance) in a backyard. It was the first LOFT\, which\, for various reasons\, could not exist for long at this location.\nAfter a move and 40 years later\, this idea has become history in a different location\, written by musicians\, the audience\, and all those who worked behind the scenes to turn this initial idea into a home\, made possible by a great deal of initiative\, financial resources\, enthusiasm\, and above all\, time and work.\nTo mark this occasion\, we invite you to an Open House on Sunday\, April 26th 2026\, with a musical program organized by institutions and musicians from the Cologne scene who have been closely associated with the LOFT for many years and decades. \nWe look forward to seeing you here! \n\n(the program is subject to change at short notice) \n2.30 pm – Rheinische Musikschule: Jazz Freshmen Quintett\nAmon Deep – trumpet\nJoschua Badde – trombone\nYuki Yokota – piano\nSoji Yokota – bass\nMatteo Hölker – drums \napprox. 3.00 pm – Bach in Overtones:\nGareth Lubbe – violine\, piano\, voice\nHugo Selzer – piano\, overtone singing \napprox. 3.30 pm – Offene Jazz Haus Schule: Skip Intro\nLinn Messmer – voice\nLaura Bergdoll – saxophone & voice\nJulian Rubino – Gitarre\nAlam Neth – keys\nBruno Ahrendt – Bass\nElian Greshake – drums \napprox. 4.00 pm – Brazilian Motions:\nMatthias Schriefl – Blechblasinstrumente\n\nCamila Ronza – Stimme & Perkussion\nBjarne Sitzmann – Gitarren\nJan Blikslager  – Bass\nJoão Raineri – drums & percussion \n\napprox. 4.30 pm – Standards Round the Globe\nStefan Karl Schmid – saxophone \nSam Anning – Bass\nThomas Sauerborn – drums \napprox. 5.00 pm – Hochschule für Musik und Tanz Köln: Iara Serodio Quintet\nIara Sosalla Serodio – tenor saxophone \nLilith Walkenhorst – Stimme\nLiam Möller – Gitarre\nXaver Feest – Bass\nJakob Görris – drums \napprox. 5.30 pm – Coudoux · Kintopf · Nillesen\nElisabeth Coudoux – Cello\nRoger Kintopf – Bass\nEtienne Nillesen – extended snare drum \napprox. 6.00 pm – Simon Nabatov: Piano Solo \n– short break – \napprox. 7.00 pm – Holz & Strom: Dudek & Huhn\nFabian Dudek – saxophone & electronics\nLeonhard Huhn – saxophone & electronics \napprox. 7.30 pm – jungesloft BigBand\nJorik Bergman – Flöte\nPascal Klewer – Trompete\nSimon Bremen – saxophone \nMaximilian Shaikh-Yousef – saxophone\nKira Linn – saxophone \nCarlotta Armbruster – Posaune\nFelix Hauptmann – piano\nJan Lukas Roßmüller – piano\nConrad Noll – cello\nFlorian Herzog – bass\nJakob Görris – drums \napprox. 8.00 pm – Fox · Hauptmann · Kintopf · Berger\nVictor Károly Fox – saxophone\nFelix Hauptmann – piano\nRoger Kintop – bass\nLeif Berger – drums \napprox. 8.30 pm – Tamara Lukasheva & Hans Lüdemann\nTamara Lukasheva – voice\nHans Lüdemann – piano \napprox. 9.00 pm – altesloft\nTheresia Philipp – Saxophon\nJanning Trumann – Posaune\nFelix Hauptmann – Piano\nFlorian Herzog – Bass\nLeif Berger – drums \napprox. 9.30 pm – Bonnen Trio plus 8\nDietmar Bonnen – keys\nRoman Fuchß – electric bass\nMichael Pape – drums\nLucia Mense – flute\nLothar Burghaus – saxophone \nTheresia Philipp – saxophone \nLeonhard Huhn – saxophone \nShannon Barnett – trombone\nBassem Hawar – Djoze\nChristian Lorenzen – keys\nand\nHans-Martin Müller – flute & everything else
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SUMMARY:Tobias Meinhart Quartet +special guest: Seamus Blake - Light & Shadow | live recording
DESCRIPTION:  \n\nTobias Meinhart – Tenorsaxophon\nEden Ladin – Piano\nJoe Martin – Bass\nMark Whitfield Jr. – Schlagzeug \nspecial guest: Seamus Blake – Saxophon \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nTobias Meinhart Quartet: Light & Shadow © Mariana Meraz ; Seamus Blake © Gerhard Richter\nDer in Brooklyn lebende Saxophonist und Komponist Tobias Meinhart zählt zu den markantesten Stimmen des zeitgenössischen Jazz. Ausgezeichnet als Rising Starim DownBeat Critics Poll\, verbindet er in seiner Musik die Energie der New Yorker Szene mit europäischer Klangästhetik\, erzählerischer Tiefe und einem ausgeprägten Groove-Gefühl.\nMit seinem aktuellen Projekt Light & Shadowpräsentiert Meinhart ein Quartett von außergewöhnlicher musikalischer Präsenz. Pianist Eden Ladin\, Bassist Joe Martin und Schlagzeuger Mark Whitfield Jr. gehören zur ersten Liga des internationalen Jazz und haben mit Künstlern wie Brad Mehldau\, Kurt Rosenwinkel\, Kenny Garrett oder Terence Blanchard gearbeitet. Gemeinsam entsteht eine offene\, dynamische Musik\, die Raum für lyrische Momente ebenso lässt wie für kraftvolle Improvisation.\nLight & Shadow steht für Kontraste: klare Melodien treffen auf komplexe rhythmische Strukturen\, intime Klangfarben auf urbane Energie. Das Quartett entfaltet live eine dichte\, atmende Klangsprache – modern\, beweglich und direkt im Kontakt mit dem Publikum. Ein Konzert\, das Spannung aufbaut\, Geschichten erzählt und den Jazz als lebendige Gegenwartsmusik erfahrbar macht. \nhttps://www.tobiasmeinhart.com/ \n\nhttps://seamusblake.com/ \n\nhttps://www.edenladin.com/ \n\nPressestimmen (Auswahl): \n„Das größte deutsche Talent am Tenorsaxophon.“ \nJazzThing\n\n„Unser Mann im Big Apple!“\nSüddeutsche Zeitung\n\n„Commanding!“ ★★★★\nDownBeat\n\n„An elegant Rollins-esque dialogue\, packed with high-wire playing!“\nJazzwise \n\n\nKann so ähnlich klingen: \n\n\n\n\n\n\n\n\nTobias Meinhart – tenor saxophone\nEden Ladin – piano\nJoe Martin – bass\nMark Whitfield Jr. – drums  \nspecial guest: Seamus Blake – saxophone\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\nBrooklyn-based saxophonist and composer Tobias Meinhart is one of the most distinctive voices in contemporary jazz. A Rising Star in the DownBeat Critics Poll\, his music blends the rhythmic energy of New York with narrative depth\, melodic clarity\, and a strong sense of groove.\nWith Light & Shadow\, Meinhart leads a quartet of exceptional musical presence\, featuring pianist Eden Ladin\, bassist Joe Martin\, and drummer Mark Whitfield Jr. – musicians known for their work with artists such as Brad Mehldau\, Kurt Rosenwinkel\, Kenny Garrett\, and Terence Blanchard. Together\, they create an open and dynamic sound that moves fluidly between lyrical intimacy and powerful improvisation.\nLight & Shadow thrives on contrast: clear melodies meet complex rhythms; subtle textures collide with urban energy. On stage\, the quartet delivers a vivid\, breathing sound world — modern\, agile\, and deeply connected to the audience. A concert that builds tension\, tells stories\, and presents jazz as a living\, contemporary art form. \nhttps://www.tobiasmeinhart.com/ \nhttps://www.edenladin.com/ \n\nPress (selection): \n“The greatest German talent on the tenor saxophone.”\nJazzThing \n“Our man in the Big Apple!”\nSüddeutsche Zeitung \n„Commanding!“ ★★★★\nDownBeat \n„An elegant Rollins-esque dialogue\, packed with high-wire playing!“\nJazzwise
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SUMMARY:Simon Bremens Sound Explorer | live recording (project)
DESCRIPTION:  \n\nMerle Böwering – Stimme\nSimon Bremen – Altsaxophon & Komposition/Arrangement\nBen Jones – Sopran- & Tenorsaxophon\nAdrian Gallet – Tenorsaxophon\nLewin Losemann – Baritonsaxophon\nKorbinian Kugler – Bass\nNiklas Wittig – Schlagzeug \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\nSimon Bremen © Heike Ines\nDer Kompositionsprozess eines Stücks initiierte die Suche nach dieser außergewöhnlichen Besetzung: Das homogene Klangbild der vier Saxophone wird kontrastiert und ergänzt von einer reduzierten Rhythmusgruppe sowie einer Vokalstimme. Nur selten erklingen dabei jedoch harmonisierte Linien\, wie man sie von einem derartigen Saxophonsatz aus der Bigbandtradition heraus erwarten könnte. Vielmehr suche ich beim Schreiben neuer und Adaptieren bereits bestehender eigener Stücke nach neuen und manchmal unerwarteten Möglichkeiten\, die Klangfarben miteinander zu kombinieren. So treten von Zeit zu Zeit einzelne Instrumente in den Hintergrund\, während sich andere solistisch präsentieren oder aber die Band gibt sich als geschlossene Einheit\, die gemeinsam Melodien\, Voicings und Grooves erforscht. Freuen Sie sich auf ein abwechslungsreiches Klangerlebnis\, bei dem zu jedem Augenblick ein gewisser Anteil der Improvisation überlassen bleibt!\nDer live-Mitschnitt und die am Folgetag anschließenden Aufnahmen finden im Rahmen des LOFT- Wettbewerbs recording project 2025 statt\, welchen die Band vergangenes Jahr gewonnen hat. \nhttps://simonbremen.de/ \n\n\n\n\n\n\n\nMerle Böwering – voice\nSimon Bremen – alto saxophone & composition/arrangement\nBen Jones – soprano- & tenor saxophone\nAdrian Gallet – tenor saxophone\nLewin Losemann – bariton saxophone\nKorbinian Kugler – bass\nNiklas Wittig – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\nThe process of composing a piece initiated the search for this unusual instrumentation: the homogeneous sound of the four saxophones is contrasted and complemented by a reduced rhythm section and a vocal part. However\, harmonized lines\, as one might expect from such a saxophone section in the big band tradition\, are rarely heard. Instead\, when writing new pieces and adapting existing ones\, I look for new and sometimes unexpected ways to combine timbres. From time to time\, individual instruments fade into the background while others take center stage\, or the band presents itself as a cohesive unit exploring melodies\, voicings\, and grooves together. Look forward to a varied sound experience\, with a certain amount of improvisation left to chance at every moment! \nThe live recording and the recordings on the following day will take place as part of the LOFT competition recording project 2025\, which the band won last year.
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SUMMARY:JLR3: Jan Lukas Roßmüller Trio | Release Konzert
DESCRIPTION:  \n\nJan Lukas Roßmüller – Piano & Komposition\nFlorian Herzog – Bass\nJakob Görris – Schlagzeug \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\nJan Lukas Roßmüller Trio © Florian Fries\nKommunikation und Feingespür als künstlerische Reaktion auf die Gegenwart – auf dem ersten Album seines neuen Trios bildet Pianist Jan Lukas Roßmüller mit Bassist Florian Herzog und Schlagzeuger Jakob Görris ein Klanggefüge\, das durch eine Vielzahl kleiner Kanäle kommuniziert\, Ideen austauscht und weiterspinnt. Kontinuierliche motivische Entwicklung in Komposition und Improvisation bilden den roten Faden. Ausgehend von Roßmüllers Stücken erschafft das Trio vielschichtige Welten\, die von zerbrechlicher Weite bis zu explosiver rhythmischer Verdichtung reichen. Dabei hält das Trio die Balance zwischen abstrakter Eindrücklichkeit und melodischer Nahbarkeit.\nDie drei Akteure kennen sich aus der jungen\, vorwärtsgerichteten Kölner Jazz- und Improszene und bewegen sich ebenso souverän in experimenteller Klangsprache wie in lyrischen\, kammermusikalisch feinen Texturen. So entsteht Musik\, die filigran aber kräftig ist.\nSchon Roßmüllers erstes Klaviertrio Erdung wurde als „in der Tradition des Formats geerdet und mit Abstraktion gespickt“ (Jan Kobrzinowski\, Jazzthetik) beschrieben. Auch das Nachfolgeprojekt JLR3 vereint Jazzimprovisation mit einer Klangsprache aus moderner europäischer Musiktradition und schöpft aus einer rhythmischen Stilvielfalt von modern interpretiertem Swing bis zu komplexen\, überlagerten Beats. \nhttps://www.janlukasrossmueller.com/ \nhttps://florianherzog.info/ \nhttps://www.jakobgoerris.de/ \n\n„Meine Musik muss immer ein großes freies Moment haben.“ In dieser Dringlichkeit ist der Kölner Pianist und Komponist Jan Lukas Roßmüller Teil einer jungen\, vorwärts gerichteten Strömung zwischen zeitgenössischem Jazz und freier Improvisation: kompromisslos und offen. Zu seinen Einflüssen zählen Jazzikonen wie Thelonious Monk oder Carla und Paul Bley ebenso wie zeitgenössische Klaviermusik und elektronische Musik.\nMit dem elektronischen Duo Book of Ra (Debut Album 2021 bei Unit Records) erzeugt er „digitale Funkparks“ (WDR). Seine Kompositionen waren zuletzt auch im Trio Erdung zu hören\, einem „mit Abstraktion gespickten und in der Tradition des Formates geerdeten“ Klaviertrio (Jan Kobrzinowski\, Jazzthetik). Mit der Band RGR spielt er frei improvisierte Musik mit „neue(n) Koordinaten für das uralte Thema Schönheit“ (Wolf Kampmann\, Jazzthetik). Das Debut Album Octopetala erschien im März 2024 bei Boomslang Records und war 2025 in der Kategorie Newcomer:in des Jahres für den Deutschen Jazzpreis nominiert. Jan Lukas Roßmüller war während des Studiums an der HfMT Köln Teil des Förderprogramms des Yehudi Menuhin Live Musik Now e.V. und wurde u.a. beim Osnabrücker Study Up Award\, beim Förderpreis des Domicil Dortmund und beim Recording Project des LOFTs in Köln ausgezeichnet. Nach der Teilnahme an der Akademie concerto21 war er im Frühjahr 2024 Wohnstipendiat im Elbehaus der Alfred-Töpfer-Stiftung in Hamburg\, 2025 Composer in Residence beim Schweizer Label UNIT Records. \n\n\n\nKlingt so: \n\n\n\n\n\n\n\n\nJan Lukas Roßmüller – piano & composition\nFlorian Herzog – bass\nJakob Görris – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\nCommunication and sensitivity as an artistic response to the present – on the first album by his new trio\, pianist Jan Lukas Roßmüller\, bassist Florian Herzog\, and drummer Jakob Görris create a sound structure that communicates through a multitude of small channels\, exchanging and developing ideas. Continuous motivic development in composition and improvisation form the common thread. Based on Roßmüller’s pieces\, the trio creates multi-layered worlds that range from fragile expansiveness to explosive rhythmic density. In doing so\, the trio maintains a balance between abstract impressiveness and melodic accessibility.\nThe three musicians know each other from the young\, forward-looking Cologne jazz and improv scene and are equally at home in experimental sound language as in lyrical\, chamber music-like textures. The result is music that is delicate yet powerful.\nRoßmüller’s first piano trio\, Erdung\, was described as “grounded in the tradition of the format and peppered with abstraction” (Jan Kobrzinowski\, Jazzthetik). The follow-up project\, JLR3\, also combines jazz improvisation with a sound language from the modern European music tradition and draws on a rhythmic variety of styles ranging from modern interpretations of swing to complex\, layered beats. \nhttps://www.janlukasrossmueller.com/ \nhttps://florianherzog.info/ \nhttps://www.jakobgoerris.de/ \n\n“My music must always have a great sense of freedom.” With this urgency\, Cologne-based pianist and composer Jan Lukas Roßmüller is part of a young\, forward-looking movement between contemporary jazz and free improvisation: uncompromising and open. His influences include jazz icons such as Thelonious Monk and Carla and Paul Bley\, as well as contemporary piano music and electronic music. \nWith the electronic duo Book of Ra (debut album 2021 on Unit Records)\, he creates “digital funk parks” (WDR). His compositions were most recently heard in the trio Erdung\, a piano trio “peppered with abstraction and grounded in the tradition of the format” (Jan Kobrzinowski\, Jazzthetik). With the band RGR\, he plays freely improvised music with “new coordinates for the ancient theme of beauty” (Wolf Kampmann\, Jazzthetik). The debut album Octopetala was released in March 2024 on Boomslang Records and was nominated for the German Jazz Award in 2025 in the category Newcomer of the Year. While studying at the HfMT Cologne\, Jan Lukas Roßmüller was part of the Yehudi Menuhin Live Musik Now e.V. support program and received awards from the Osnabrück Study Up Award\, the Domicil Dortmund sponsorship award\, and the LOFT recording project in Cologne\, among others. rAfter participating in the concerto21 academy\, he was a residential scholarship holder at the Alfred Töpfer Foundation’s Elbehaus in Hamburg in the spring of 2024 and composer in residence at the Swiss label UNIT Records in 2025.
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SUMMARY:Benedikt Hesse Trio feat. Claudia Ramos Barreto | live recording
DESCRIPTION:Claudia Ramos Barreto – Stimme & Violine\nVolker Deglmann – Trompete\nGero Koerner – Orgel\nBenedikt Hesse – Schlagzeug \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\nBenedikt Hesse\, Trio & Claudia Ramos Barreto © Richard Guerra Medina\nSingle Release Dos Gardenias & Live Recording\n\nKuba calling: Während der kleine Inselstaat mal wieder in den Fokus der Weltöffentlichkeit rückt\, widmet sich das Benedikt Hesse Trio gemeinsam mit Sängerin Claudia Ramos Barreto einem der großen Klassiker der kubanischen Musik – Dos Gradenias\, bekannt vor allem durch die Interpretation Ibrahim Ferrers im Umfeld des Buena Vista Social Clubs.\nDie Tiefe und Schönheit Kubas\, an die Dos Gardenia erinnert\, bringen die vier Musiker*innen in eigener Interpretation auf die Bühne und gleichzeitig auf Band. Denn das Feiertagskonzert 1. Mai ist nicht nur musikalischer Gruß an die kubanische Kultur\, sondern Single Release und Live-Recording in einem.\nFreuen können sich Fans an diesem Tag außerdem wie gewohnt auf: ungewohntes\, auf Groove\, Jazz und Latin\, auf Improvisation\, spontane Einfälle und ein immerwährendes Changieren zwischen Einflüssen aus Kuba und New Orleans. \nAlles außer gewöhnlich: Schlagzeug\, Trompete und Hammond-Orgel erzählen vom Dämmerlicht in New Orleans und endlosen Partynächten unter karibischem Himmel.\nWährend über den Sümpfen Louisianas die Nacht hereinbricht\, ist die Party in der Karibik längst in vollem Gange: Das Benedikt Hesse Trio entdeckt den Golf von Mexiko mit all seinen musikalischen Einflüssen und Parallelwelten. Ausgehend von New Orleans Funk und Afro-Cuban Jazz entwickelt das Trio ein facettenreiches Spiel\, das pendelt zwischen Evergreens und Eigenkompositionen zwischen pulsierenden Tanzflächen und Szene-Lokalen\, zwischen Cha Chas\, Boleros und den Klängen des Big Easy.\nDie seltene Instrumentenkombination\, ihr kraftvoller\, leidenschaftlicher Sound und das blinde Verständnis untereinander zeichnen das Benedikt Hesse Trio aus. Immer im Gepäck: unterschiedliche musikalische Backgrounds\, der Spaß am Spontanen – und natürlich die markanten Schlagzeugsoli ihres Frontmanns. \nhttps://benedikthesse.com/trio \nClaudia Ramos Barreto\n1999 hineingeboren in eine kubanische Musiker-Familie wuchs Claudia in Havanna auf\, studierte später die Geige und entdeckte dabei den Jazz-Gesang. Es folgten zahlreiche Auftritte\, darunter ein festes Engagement im renommierten Jazz Café Havanna. Sie war Sängerin im Polyphonischen Chor von Havanna und 2020 Teil des jungen weiblichen Vokalquartetts Quadrigale. Heute ist sie Geigerin und Sängerin bei Los Pipos. Das Benedikt Hesse Trio unterstützt sie als gern gehörte Gästin. \n\n\nKlingt so: \n\n\n\n\nENGLISH\nClaudia Ramos Barreto – vocals & violine\nVolker Deglmann – trumpet\nGero Koerner – organ\nBenedikt Hesse – drums \n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\nSingle Release Dos Gardenias & Live Recording \nCuba Calling: As the small island nation once again takes center stage on the world stage\, the Benedikt Hesse Trio\, together with singer Claudia Ramos Barreto\, pays tribute to one of the great classics of Cuban music – Dos Gardenias\, best known for Ibrahim Ferrer’s rendition in the context of the Buena Vista Social Club.\nThe depth and beauty of Cuba\, evoked by Dos Gardenias\, are brought to the stage and recorded by the four musicians in their own interpretation. For the May 1 holiday concert is not only a musical tribute to Cuban culture\, but also a single release and live recording in one.\nOn this day\, fans can also look forward\, as usual\, to: the unexpected—groove\, jazz\, and Latin—improvisation\, spontaneous ideas\, and a constant interplay between influences from Cuba and New Orleans. \nAnything but ordinary: drums\, trumpet\, and Hammond organ evoke the twilight of New Orleans and endless party nights under the Caribbean sky.\nAs night falls over the swamps of Louisiana\, the party in the Caribbean is already in full swing: The Benedikt Hesse Trio explores the Gulf of Mexico with all its musical influences and parallel worlds. Drawing on New Orleans funk and Afro-Cuban jazz\, the trio develops a multifaceted sound that oscillates between classics and original compositions\, between pulsating dance floors and trendy venues\, between cha-chas\, boleros\, and the sounds of the Big Easy.\nThe Benedikt Hesse Trio is distinguished by its rare combination of instruments\, its powerful\, passionate sound\, and the band members’ intuitive understanding of one another. Always in their repertoire: diverse musical backgrounds\, a love for spontaneity—and\, of course\, their frontman’s striking drum solos. \nhttps://benedikthesse.com/trio \nClaudia Ramos Barreto\nBorn in 1999 into a family of Cuban musicians\, Claudia grew up in Havana\, later studied the violin\, and discovered jazz singing along the way. Numerous performances followed\, including a regular engagement at the renowned Jazz Café Havana. She was a singer in the Havana Polyphonic Choir and\, in 2020\, a member of the young female vocal quartet Quadrigale. Today she is a violinist and singer with Los Pipos. The Benedikt Hesse Trio welcomes her as a much-loved guest performer. \n\n\n\n\n\n 
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DESCRIPTION:Uli Kempendorff – Tenorsaxophon\, Klarinette\nChristopher Dell – Vibraphon\nJonas Westergaard – Bass\nPeter Bruun – Schlagzeug \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\nFIELD © Frank Schindelbeck\nMit der Veröffentlichung ihres vierten Albums hat FIELD seinen ganz eigenen Sound weiterentwickelt – ein subtil verwobenes Geflecht voller multidirektionaler Kontrapunkte\, das tief im Jazz verwurzelt ist und sich frei zwischen Abstraktion und Konkretheit bewegt. Mit Christopher Dell am Vibraphon\, Jonas Westergaard am Bass und Peter Bruun am Schlagzeug vereint die Band vier interessante Akteure der deutschen und dänischen Szene und hat sich seit ihrer (Re-)Formierung 2018 schnell zu einer fest zusammengewachsenen Gruppe entwickelt deren Sprache von Feinsinn und Kraft geprägt ist. \nhttps://www.ulikempendorff.com/ \nDie TAZ schrieb: „Field spielen eine offene\, zugleich präzise artikulierte Form von Jazz\, mit komplexen Melodien\, denen man stets folgen kann\, einem immer weiter mutierenden Swing (…) sich jedoch nie spröde-akademisch gibt. Es herrscht ein anarchisch-ironischer Ton\, der sich nie an große Gesten verschenkt.“ \n\n“Das Spiel ist nicht kontrapunktisch\, sondern gewissermaßen ‘trans’-punktual\, es überschreitet Grenzen und erkennt sie gleichzeitig an.”\n4 Sterne\, Concerto 5/2021 \n„Das Zusammenspiel der vier ist mitreissend auf diesem Album\, rasant fliessen da Ideen hin und her\, werden verschlungene Pfade eingeschlagen und auch wieder verlassen\, auch Improvisation hat seine Geschichte\, hat seine Wurzeln und Erfahrungen\, Jazz-Historie schwingt in dieser Musik mit\, wird lustvoll und mit Scharfsinn reflektiert und weitergeführt.“\nJohannes Kloth\, 23.7.21\, ARD Radiofestival \n“Diese Musik ist intellektuell\, aber nicht verkopft. Manchmal könnte man an das Trio von Jimmy Giuffre denken mit seiner abstrakten Coolness. Immer wieder geschehen abrupte Rollenwechsel und Perspektivverschiebungen\, die aber dennoch nicht in Denkaufgaben münden. Das Hauptwort dieser Band heißt Kommunikation. Doppelte Böden und Auffangnetze gibt es nicht\, hier wird offensives Kopfkino durchdekliniert mit Gestaltungsbewusstsein und fern von Routine.”\nUlrich Steinmetzger\, Jazzpodium Oktober 2021 \n\nKlingt so: \n\n\n\n\n\nund so: \n\n  \n\n\n\n\nUli Kempendorff – tenor saxophone\, clarinet\nChristopher Dell – vibraphone\nJonas Westergaard – bass\nPeter Bruun – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\nWith the release of their fourth album\, FIELD has further refined its unique sound—a subtly interwoven tapestry of multidirectional counterpoints\, deeply rooted in jazz and moving freely between abstraction and concreteness. With Christopher Dell on vibraphone\, Jonas Westergaard on bass\, and Peter Bruun on drums\, the band brings together four compelling figures from the German and Danish scenes and\, since its (re)formation in 2018\, has quickly evolved into a tightly knit group whose musical language is characterized by subtlety and power. \nhttps://www.ulikempendorff.com/ \nThe TAZ wrote: “Field plays an open yet precisely articulated form of jazz\, with complex melodies that are always easy to follow and a swing that keeps evolving (…) yet never comes across as dry or academic. There is an anarchic\, ironic tone that never succumbs to grand gestures.” \n\n“The piece is not contrapuntal\, but rather ‘trans’-punctual\, in a sense; it transcends boundaries while simultaneously acknowledging them.”\n4 stars\, Concerto 5/2021 \n“The interplay among the four musicians on this album is captivating; ideas flow back and forth at a rapid pace\, as they venture down winding paths only to leave them behind again. Even improvisation has its own story\, its own roots and experiences; the history of jazz resonates throughout this music\, reflected upon and carried forward with passion and insight.”\nJohannes Kloth\, 23.7.21\, ARD Radiofestival \n“This music is intellectual\, but not overly cerebral. At times\, it brings to mind Jimmy Giuffre’s trio with its abstract coolness. There are constant abrupt role reversals and shifts in perspective\, yet these never devolve into intellectual puzzles. The defining word for this band is communication. There are no safety nets or fallbacks; here\, bold mental imagery is explored with a keen sense of artistic vision and a complete departure from routine.”\nUlrich Steinmetzger\, Jazzpodium Oktober 2021
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SUMMARY:Kontou / Trieder / Zurhausen
DESCRIPTION:Conni Trieder – Flöte\nAthina Kontou – Kontrabass\nChristina Zurhausen – Gitarre \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\nAthina Kontou – Conni Trieder – Christina Zurhausen\nFlöte\, Kontrabass und E-Gitarre begegnen sich in einem offenen klanglichen Raum. \nAthina Kontou\, Conni Trieder und Christina Zurhausen verweben eigene Kompositionen mit spontaner Improvisation und lassen daraus eine Musik entstehen\, die im Moment wächst. Die akustischen Klangfarben von Flöte und Kontrabass treffen auf die vielschichtige Soundwelt der E-Gitarre – erweitert durch Effekte\, Resonanzen und fragile Texturen. Zwischen klaren Strukturen und freiem Spiel entfaltet sich eine lebendige musikalische Dramaturgie. Im Spannungsfeld von Modern Creative Jazz\, Rock-Energie und freier Improvisation entstehen dichte Klanglandschaften\, filigrane Linien und überraschende Wendungen.\nEin Trio im intensiven Dialog – aufmerksam\, neugierig und offen für das Unvorhersehbare. \nhttps://connitrieder.de/ \nhttps://www.athinakontou.com/ \n\nhttps://www.christinazurhausen.com/ \n\n\n\n\n\n\n\n\nConni Trieder – flute\nAthina Kontou – bass\nChristina Zurhausen – guitar\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\nFlute\, double bass\, and electric guitar come together in an open sonic space. \nAthina Kontou\, Conni Trieder\, and Christina Zurhausen weave their own compositions with spontaneous improvisation\, creating music that evolves in the moment. The acoustic timbres of the flute and double bass meet the multi-layered soundscape of the electric guitar- enriched by effects\, resonances\, and delicate textures. A vibrant musical narrative unfolds between clear structures and free play. At the intersection of modern creative jazz\, rock energy\, and free improvisation\, dense soundscapes\, delicate lines\, and surprising twists emerge. \nA trio in intense dialogue – attentive\, curious\, and open to the unpredictable. \nhttps://connitrieder.de/ \nhttps://www.athinakontou.com/ \n\nhttps://www.christinazurhausen.com/
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SUMMARY:Igor Ambrosin Trio | live recording
DESCRIPTION:Igor Ambrosin – Piano\nJonathan Ho – Bass & Elektronik\nPierre Hurty – Schlagzeug \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\n\nIgor Ambrosin Trio featJonathan Ho & Pierre Hurty © Noa Staal\nDas Igor Ambrosin Trio ist das Kreativlabor des in Amsterdam lebenden Pianisten Igor Ambrosin\, der sich als Bandleader eines internationalen Projekts präsentiert\, zu dem Jonathan Ho am Kontrabass und an der Live-Elektronik sowie Pierre Hurty am Schlagzeug gehören. \nhttps://www.igorambrosin.com/igor-ambrosin-trio \nDas Trio\, das Anfang 2025 während Ambrosins Masterstudium an der Codarts University of the Arts (Rotterdam) gegründet wurde\, vereint Musiker mit unterschiedlichen Hintergründen und kreativen Werdegängen. Die Begegnung zwischen dem Pianisten und dem Schlagzeuger geht auf ihr Treffen in Lyon während der International Jazz Platform zurück\, während die Zusammenarbeit mit dem Bassisten aus anderen Projekten hervorging\, die in Rotterdam entwickelt wurden.\nIm Zentrum der Musik des Trios steht die Faszination für Rhythmus\, Form und die vielschichtige Komplexität groove-basierter Musik. Ihr Sound spielt mit der Spannung zwischen Ordnung und der Illusion von Chaos\, manipuliert polyrhythmische Strukturen in Echtzeit und schafft Klangtexturen\, die zugleich verspielt und sorgfältig konstruiert wirken. \n\nDie Identität der Band gründet sich zudem auf den Einsatz von Live-Elektronik\, die von Jonathan Ho gesteuert wird\, der diese abwechselnd oder in Kombination mit dem Kontrabass einsetzt. Diese elektronische Dimension erweitert die Klangpalette des Trios und ermöglicht es den Musikern\, durch Techniken wie Klangmanipulation mittels eines No-Input-Mixers und die Verwendung von Samples aus früheren Auftritten fließend zwischen akustischen und elektronischen Bereichen zu wechseln.\nNachdem das Trio als Finalist des renommierten Wettbewerbs Keep An Eye – The Records 2026 ausgewählt wurde\, bereitet es derzeit sein Debütalbum vor\, das im Mai 2026 im LOFT aufgenommen wird. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nIgor Ambrosin ist ein italienischer Pianist\, Improvisator und Komponist\, der sich derzeit in der neuen europäischen Szene des zeitgenössischen Jazz einen Namen macht. Seine Musik verbindet die Liebe zur Improvisation mit einer tiefgreifenden Auseinandersetzung mit rhythmischer Komplexität und bringt einen originellen\, genreübergreifenden Ansatz in Komposition und Zusammenspiel ein. Sein derzeitiges Hauptprojekt ist das Igor Ambrosin Trio\, eine internationale Band\, in der er am Klavier spielt\, zusammen mit Jonathan Ho am Kontrabass und an der Live-Elektronik sowie Pierre Hurty am Schlagzeug. Die Gruppe arbeitet derzeit an der Aufnahme und Veröffentlichung ihres Debütalbums\, das für 2026 geplant ist. Nach seinem Studium an der Siena Jazz University (Bachelor) und am Rotterdamer Konservatorium (Master) lebt Igor heute in Amsterdam\, wo er arbeitet und seine Freizeit damit verbringt\, sich mühsam an Sudoku-Rätseln zu versuchen. \n\n\n\nJonathan Ho ist ein aus Singapur stammender Kontrabassist\, Komponist und aufstrebender Elektronik-Künstler\, der in Rotterdam lebt. Bevor er nach Europa zog\, um sein Studium in Rotterdam abzuschließen\, war Jonathan als Begleitmusiker in der singapurischen Szene tätig und tourte mit lokalen und internationalen Künstlern durch Malaysia (Sarawak mit Tony Lakatos beim Borneo Jazz)\, Japan\, Thailand und Mexiko. Kürzlich gewann er den Keep An Eye-Wettbewerb 2024 mit Anaphora\, den Erasmus Jazz Prijs 2024 mit der Andrew Moreno Group und wurde Zweiter beim Grachten Jazz-Wettbewerb 2024 mit Prashant Samlals Atma. Unter dem Namen „innerfro“ wird PINs Debütalbum „who cares if i mind“\, das bei Minimal Damage Recordings erschienen ist\, auch auf WFMU Radio in New Jersey/New York gespielt. \nhttps://www.innerfro.com/ \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPierre Hurty ist ein vielseitiger Schlagzeuger und Perkussionist\, der bereits im Alter von sieben Jahren mit dem Schlagzeugspielen begann und später seine Klangpalette durch klassische Musik erweiterte. Er hat zwei Bachelor-Abschlüsse vom Koninklijk Conservatorium Brussel und einen Master-Abschluss in Jazz\, wo er für sein Projekt YAGO Extended mit dem Toots Thielemans Jazz Award ausgezeichnet wurde. Pierre ist eine zentrale Figur der zeitgenössischen Jazzszene und tritt in Ensembles wie dem Wajdi Riahi Trio\, dem preisgekrönten Adèle Viret 4tet\, Lorenzo Di Maios RUBY und dem Improvisationsduo RIAHRTY auf. Seine internationale Reichweite erweitert sich durch seine Arbeit mit dem Medinea-Netzwerk\, was zu interkulturellen Kooperationen wie Jawa Manlas Distant Roots und Mathwa führt. Darüber hinaus trat er mit renommierten Institutionen wie dem Brussels Philharmonic und dem Brussels Jazz Orchestra auf. \n\nKlingt so: \n\n\n\n\n\nIgor Ambrosin – piano\nJonathan Ho – bass & electronics\nPierre Hurty – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\nIgor Ambrosin Trio is the creative lab of Amsterdam-based pianist Igor Ambrosin\, who presents himself as bandleader with an international project featuring Jonathan Ho on double bass and live-electronics and Pierre Hurty on drums. \n\nFormed in early 2025 during Ambrosin’s Master studies at Codarts University of the Arts (Rotterdam)\, the trio brings together musicians from diverse backgrounds and creative paths. The encounter between the pianist and the drummer dates back to their meeting in Lyon during the International Jazz Platform\, while the collaboration with the bassist grew out of other projects developed in Rotterdam.\nAt the heart of the trio’s music lies a fascination for rhythm\, form and the layered complexity of groove-based music. Their sound plays with the tension between order and illusion of chaos\, manipulating polyrhythmic structures in real time and creating textures that feel both playful and meticulously constructed.\nThe band’s identity also stems from the use of live-electronics\, handled by Jonathan Ho\, who alternates or combines them with the double bass. This electronic dimension expands the trio’s sonic palette\, allowing the musicians to move fluidly between acoustic and electronic territories through techniques such as sound manipulation via a no-input mixer and the use of samples from previous performances.\n\nAfter being selected as a finalist in the prestigious competition Keep An Eye The the trio is currently preparing its debut album\, which will be recorded at the LOFT in May 2026. \n\nIgor Ambrosin is an Italian pianist\, improviser\, and composer who is emerging on the new European scene of contemporary jazz. His music combines the love for improvisation with a deep exploration of rhythmic complexity\, bringing an original and genre-fluid approach to composition and interplay. His main current project is the Igor Ambrosin Trio\, an international band featuring him on piano alongside Jonathan Ho on double bass and live electronics and Pierre Hurty on drums. The group is currently working on the recording and release of the debut album\, scheduled for 2026. After studying at Siena Jazz University (Bachelors degree) and the Rotterdam Conservatory (Masters degree)\, Igor now lives in Amsterdam\, where he works and spends his free time clumsily solving sudoku. \n\n\n\nJonathan Ho is a Singaporean double bassist\, composer and emerging electronic artist based in Rotterdam. Before moving to Europe to complete his studies in Rotterdam\, Jonathan was active as a sideman in the Singaporean Scene and was able to tour Malaysia (Sarawak with Tony Lakatos at Borneo Jazz)\, Japan\, Thailand and Mexico with both Local and International Artists. He recently won the Keep An Eye Competition 2024 with Anaphora\, the Erasmus Jazz Prijs 2024 with Andrew Moreno Group\, and is runner-up at the Grachten Jazz Competition 2024 with Prashant Samlal’s  Atma. Under „innerfro“\, PIN’s debut album „who cares if i mind“ is also featured on WFMU Radio in New Jersey/New York\, released by Minimal Damage Recordings\n\n\n\n\n\n\n\n\nPierre Hurty is a versatile drummer and percussionist who playing drums at the age of seven\, later expanding his sound palette with classical. He holds two Bachelorˇs degree from the Koninklijk Conservatorium Brussel and a Masterˇs degree in jazz\, where he received the Toots Thielemans Jazz Award for his project YAGO Extended. Pierre is a central figure in the contemporary jazz scene\, performing in ensembles such as the Wajdi Riahi Trio\, the award-winning Adèle Viret 4tet\, Lorenzo Di Maioˇs RUBY and the improvised duo RIAHRTY. His international reach is expanded through his work with the Medinea network\, resulting in cross-cultural collaborations like Jawa Manlaˇs Distant Roots and Mathwa. Additionally\, he has performed with prestigious institutions including the Brussels Philharmonic and the Brussels Jazz Orchestra.
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SUMMARY:Jubiläumskonzert: 11 Jahre Shannon Barnett Quartet
DESCRIPTION:Shannon Barnett – Posaune\nStefan Karl Schmid – Tenorsaxophon\nDavid Helm – Kontrabass\nFabian Arends – Schlagzeug\n \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\n\n© Kilian Amrehn\n2014 kam eine Posaunistin aus Australien über New York nach Köln\, um als zweite Frau Mitglied der WDR Big Band zu werden. Abgesehen von ein paar Alben\, die zufällig ihren Weg gekreuzt hatten\, wusste sie nichts über die lokale Jazzszene. Das sollte sich jedoch schnell ändern: dieses florierende Kölner Ökosystem überraschte und inspirierte Shannon Barnett. \n\n\nhttps://www.shannonbarnett.info/\n\nDurch die Szene lernte sie Fabian Arends\, David Helm sowie Stefan Karl Schmid kennen und gründete schnell ein Quartett – ein dringend benötigtes Ventil für ihre kreativen Impulse.\nSeitdem hat die Band drei Alben veröffentlicht und tourte durch Europa und Australien\, wobei sie ihren eigenen Bandsound und ihre Sprache ständig verfeinerte\, während alle Mitglieder ihren eigenen musikalischen Interessen nachgingen.\n\nMan hört dieses individuelle und kollektive Wachstum; Barnetts Kompositionen dienen als Vehikel für Abenteuer\, wie sie die Band in den elf Jahren ihres Bestehens gemeinsam erlebt hat. \n\n\n\n\nhttps://shannonbarnett.bandcamp.com/\n\nKlingt so: \n\n  \n\n\n\n\n\nShannon Barnett – trombone\nStefan Karl Schmid – tenor saxophone\nDavid Helm – bass\nFabian Arends – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\n\n\nIn 2014\, a trombonist from Australia came to Cologne via New York to become the second woman to join the WDR Big Band. Aside from a few albums she had happened to come across\, she knew nothing about the local jazz scene. That was soon to change\, however: this thriving Cologne ecosystem surprised and inspired Shannon Barnett.\n\nhttps://www.shannonbarnett.info/\n\nThrough the music scene\, she met Fabian Arends\, David Helm\, and Stefan Karl Schmid\, and they quickly formed a quartet—a much-needed outlet for their creative energy.\nSince then\, the band has released three albums and toured Europe and Australia\, constantly refining their unique sound and musical language while all members pursued their own musical interests.\nYou can hear this individual and collective growth; Barnett’s compositions serve as a vehicle for the adventures the band has experienced together over the eleven years of its existence. \n\n\n\nhttps://shannonbarnett.bandcamp.com/
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SUMMARY:SoKo Steidle + Alexander von Schlippenbach
DESCRIPTION:Henrik Walsdorff – Altsaxophon\nRudi Mahall – Bassklarinette\nJan Roder – Bass\nOli Steidle – Schlagzeug\n+ Alexander von Schlippenbach – Piano \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\nSoKo Steidle +Alexander von Schlippenbach © Katja Mahall\nEin gänzlich eigenwilliger und zeitloser Sound zeichnet die SoKo Steidle aus. Diese Viererbande hat sich komplett der freien Improvisation zugewandt\, dieser aus musikhistorischer Notwendigkeit entstandenen Spielweise\, die heute mehr denn je auf der ganzen Welt zelebriert wird. \nOliver Steidle – Namensgeber des Quartetts und Preisträger des Deutschen Jazzpreises 2022 in der Kategorie Drummer des Jahres – zählt schon seit geraumer Zeit zu den angesagtesten\, versiertesten und zukunftsweisenden Musikern der jungen europäischen Avantgarde. Er hat durch zahlreiche\, prominente Engagements und seine eigenen Bands Oli Steidle & the killing Popes\, Oliwood und SoKo Steidle seinen Platz im internationalen Konzertbetrieb gefunden und ist von dort nicht mehr wegzudenken. Er war viele Jahren Mitglied bei PHILM (Deutscher Jazzpreis 2021 Band des Jahres)\, und ist es noch bei Der Rote Bereich und Klima Kalima\, er spielte mit Peter Brötzmann\, Andrea Parkins\, Alexander von Schlippenbach\, Aki Takase\, Louis Sclavis\, Tristan Honsinger\, Trevor Dunn\, u.v.a.\, jettet unaufhörlich durch die Welt\, schreibt Musik\, ist undogmatisch\, hat zahlreiche Preise gewonnen und auf allen wichtigen\, nennenswerten Festivals gespielt. \nhttps://oliversteidle.com/ \nGleiches gilt für Rudi Mahall\, Henrik Walsdorff und Jan Roder die wie Steidle zur Speerspitze der internationalen Avantgarde zählen.\nHier\, im Kollektiv ausgezeichneter Musiker\, entstehen enorm vielseitige und stimmungsvolle Klangkreationen\, die von rivalisierender Konkurrenz bis hin zu harmonischem Zusammenspiel reichen. Spontaneität und Freiheit im Spiel und die benötigte Verantwortung\, ohne Vorgaben zu gestalten\, sind die wichtigen Grundlagen für diese Musik. Des weiteren bedarf es neben der Hingabe zur Sache\, der Fähigkeit sich zusammen zu finden\, d.h. eine optimale personelle Kombination im Ensemble zu finden. \nhttps://oliversteidle.com/soko-steidle/ \nSo überrascht es nicht\, dass Alexander von Schlippenbach einst über SoKo Steidle schrieb:\nSie spielen zusammen wie die Teufel und swingen wie Motherfucker. \nZum 20-jährigen Jubiläum kam im Jahr 2022 ein neues Album heraus\, auf welchem der Altmeister himself Alexander von Schlippenbach zu hören ist\,  und der im Verlauf der Veröffentlichung an allen Konzerten der SoKo als Gast dabei war … er wird auch beim Konzert am 9. Mai im LOFT mit von der Partie sein! \n\nKlingt so: \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nHenrik Walsdorff – alto saxophone\nRudi Mahall – bass clarient\nJan Roder – bass\nOli Steidle – drums\n+ Alexander von Schlippenbach – piano\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\nSoKo Steidle is distinguished by a sound that is entirely unique and timeless. This quartet has devoted itself entirely to free improvisation\, a style of playing born of musical necessity that is celebrated today more than ever around the world. \nOliver Steidle – the quartet’s namesake and winner of the 2022 German Jazz Award in the Drummer of the Year category – has long been considered one of the hottest\, most accomplished\, and forward-thinking musicians of the young European avant-garde. Through numerous prominent engagements and his own bands – Oli Steidle & the killing Popes\, Oliwood\, and SoKo Steidle – he has established himself on the international concert scene and has become an indispensable part of it. He was a member of PHILM (German Jazz Prize 2021 Band of the Year) for many years\, and remains a member of Der Rote Bereich and Klima Kalima; he has played with Peter Brötzmann\, Andrea Parkins\, Alexander von Schlippenbach\, Aki Takase\, Louis Sclavis\, Tristan Honsinger\, Trevor Dunn\, and many others; he constantly jets around the world\, writes music\, is undogmatic\, has won numerous awards\, and has played at all major\, noteworthy festivals. \nhttps://oliversteidle.com/ \nThe same applies to Rudi Mahall\, Henrik Walsdorff\, and Jan Roder\, who\, like Steidle\, are among the leading figures of the international avant-garde.\nHere\, within this collective of outstanding musicians\, enormously versatile and atmospheric sound creations emerge\, ranging from rivalrous competition to harmonious interplay. Spontaneity and freedom in performance\, along with the necessary responsibility to create without predefined guidelines\, are the essential foundations of this music. Furthermore\, in addition to dedication to the art\, it requires the ability to come together—that is\, to find the optimal combination of musicians within the ensemble. \nhttps://oliversteidle.com/soko-steidle/ \nSo it’s no surprise that Alexander von Schlippenbach once wrote about SoKo Steidle:\nThey play together like devils and swing like motherfuckers. \nTo mark their 20th anniversary\, a new album was released in 2022\, featuring the veteran himself\, Alexander von Schlippenbach\, who appeared as a guest at all of SoKo’s concerts during the album’s release tour… and he’ll also be joining them for the concert on May 9 at the LOFT!
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SUMMARY:Martin Reuthner Oktett: Just one of those things
DESCRIPTION:  \n\nMartin Reuthner – Trompete\, Flügelhorn\, Arrangement\nMartin Schäfer – Altsaxophon & Flöte\nMarcus Bartelt – Tenorsaxophon\nPhilipp Schittek – Posaune\nLeon Hattori – Piano\nPhilipp Braemswig – Gitarre\nTristan Sorg – Bass\nMarcus Rieck – Schlagzeug \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nMartin Reuthner Oktett\nUnter den Combobesetzungen großformatig\, ist die Oktettbesetzung schon eine Mini-Bigband und reizt so die Freunde des großorchestralen Klangkörpers\, das Wechselspiel zwischen Arrangement und Improvisation in schönster West Coast-Manier auszuloten. \n\nTreffen sich die Bandmitglieder ansonsten öfter in den Rundfunk-Bigbands\, im Schlachtross Big Band Convention oder zeitgenössisch im CCJO\, wird es nun höchste Eisenbahn\, die feineren Töne auszuloten und dem Luxus-Comboformat die Bühne zu geben.\nMotor und Arrangeur der Band ist der Trompeter Martin Reuthner\, der seine sieben Kollegen gleichermaßen wegen ihrer Ensemblequalität wie Individualität schätzt und daher nur allzu gern um sich versammelt.\n\n\nKann so ähnlich klingen: \n\n\n\n\n\n\nENGLISH\nMartin Reuthner – trumpet\, flugelhorn\, arrangement\nMartin Schäfer – alto saxophone & flute\nMarcus Bartelt – tenor saxophone\nPhilipp Schittek – trombone\nLeon Hattori – piano\nPhilipp Braemswig – guitar\nTristan Sorg – bass\nMarcus Rieck – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\nAmong large-scale combo lineups\, the octet is already a mini-big band\, appealing to fans of large orchestral sounds who want to explore the interplay between arrangement and improvisation in the finest West Coast style.\nWhile the band members otherwise often come together in radio big bands\, the Schlachtross Big Band Convention\, or more recently in the CCJO\, it is now high time to explore the finer nuances and give the stage to this luxury combo format.\nThe driving force and arranger of the band is trumpeter Martin Reuthner\, who values his seven colleagues equally for their ensemble quality and individuality and is therefore only too happy to gather them around him.
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SUMMARY:Viner · Jermyn · Landfermann · Hong
DESCRIPTION:  \n\nJeremy Viner – Saxophon\nSimon Jermyn – Gitarre\nRobert Landfermann – Bass\nSun-Mi Hong – Schlagzeug \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\nViner · Jermyn · Landfermann · Hong\nDies ist ein neues und wahrhaft internationales\, generationsübergreifendes Quartett mit Mitgliedern aus aller Welt. Mit Eigenkompositionen\, die von kraftvollem Swing über idyllische Stimmungen bis hin zu lautstarken Improvisationen reichen\, erwarten Sie jede Menge musikalische Überraschungen und ein spannendes Zusammenspiel. Alle Musiker*innen verfügt über umfangreiche Erfahrung als sidemen/women und sind zudem alle selbst auch bandleader. Dies verspricht die erste von vielen Tourneen für diese spannende Bereicherung der zeitgenössischen Jazzszene zu werden. \n\n\n\n\nhttps://www.jeremyviner.com/\n\nhttps://www.simonjermynmusic.com/\n\nhttps://robertlandfermann.com/\n\n\nhttps://sunmihong.com/\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nENGLISH\nJeremy Viner – saxophone\nSimon Jermyn – guitar\nRobert Landfermann – bass\nSun-Mi Hong – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\nThis is a new and truly international\, multi-generational quartet\, with members from all over the globe. Playing original compositions\, ranging from gritty swing to pastoral ambience to noisy improv\, you can expect lots of musical surprises and interplay. Each of these musicians have extensive side-person experience\, as well being bandleaders in their own right. This promises to be the first tour of many for this exciting addition to the contemporary jazz landscape
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SUMMARY:Mareille Merck LARUS | live recording
DESCRIPTION:Mareille Merck – Gitarre & Komposition\nLouise Knobil – Bass\nHendrik Eichler – Schlagzeug \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\n\nMareille Merck © Arthur Häberli ; Louise Knobil © Pierre Daendliker ; Hendrik Eichler © Jannick Mayntz\nLARUS\, so heisst das Trio um Bandleaderin und Gitarristin Mareille Merck\, die 1996 in Stralsund geboren wurde und in Zürich lebt.\nAb 2026 ist die Band in neuer\, internationaler Besetzung unterwegs: mit der Westschweizer Bassistin Louise Knobil (Lausanne/Paris) und dem Kölner Drummer Hendrik Eichler hat Merck zwei so eigenständige wie innovative Musiker*innen gefunden\, mit denen sie ihre Eigenkomposition zum Leben erweckt. Mareille Merck bedient sich dabei an Einflüssen aus Fingerstyle-Techniken\, lässt ihre Herkunft in rockigen Gefilden durchscheinen und verwebt diese gitarristischen Nuancen geschickt mit klaren jazzigen Strukturen und einer einprägsamen Motivik. \nhttps://www.mareillemerck.com/larus \nhttps://www.hendrikeichler.com/ \nhttps://knobil-music.com/ \nMerck startete die Band 2018\, damals noch in anderer Besetzung. Die jahrelange Bandarbeit brachte bereits zahlreiche Highlights mit sich\, darunter zwei Alben in Ko-Produktion mit Radio SRF 2 Kultur: Fadenschlag (2021) und Stille Wasser (2023). 2021 wurde LARUS für den ZKB Jazzpreis nominiert. Besondere Konzerte waren z.B. die Eröffnung der Langnau Jazz Nights im Doppelkonzert mit der Mike Stern Band\, Cully Jazz\, Jazz Onze+\, Schlachthof Bremen\, Moods Zürich u.v.m.\nDas gemeinsame Musizieren verstehen Merck\, Knobil und Eichler als eine Reise\, bei der sie Mut\, Abenteuerlust und Risikofreude im Gepäck haben. Die Weggefährten: vielsagende Kompositionen und ereignisreiche Improvisationen. Und so wie Larus\, die Möwe\, die verschiedensten Landschaften  so tragen uns auch Mareille Merck und ihre Band mit ihrer Musik über belebte Strände\, weite Felder oder felsige Küsten. \nÜber das Album Stille Wasser schrieb Manfred Papst in der NZZ: Tatsächlich ist ‘Stille Wasser’ Ein so vielfarbiges wie dichtes Album\, von melodischem Reichtum und gespickt mit überraschenden Wechseln in Tempo und Dynamik. Die Oberfläche mag glatt sein\, aber in der Tiefe rauscht es. (Neue Zürcher Zeitung\, 08.Januar 2023) \n\nDie Gitarristin und Komponistin Mareille Merck (*1996) wuchs auf der Insel Rügen auf. Sie studierte Jazz-Gitarre u.a. bei Wolfgang Muthspiel\, Lionel Loueke\, Frank Möbus und Kalle Kalima in Weimar\, Luzern und in Zürich\, wo sie seit mehreren Jahren lebt.\nNeben ihrem Trio Larus ist sie auch als Solo-Künslterin aktiv: im September 2025 erschien Mareille Mercks Soloalbum Kaleidoskop\, welches sie zusammen mit Nik Bärtsch produzierte. Es folgten zahlreiche Presse-Reaktionen\, darunter die Auszeichnung Platte des Monats im Magazin Gitarre & Bass\, Audiophiles Album des Monats im Magazin Audio Stereoplay sowie 5/5 Sterne im Magazin Jazzthetik.\nMareille engagiert sich im Vorstand des Zürcher Jazzclubs Moods. Sie stand mit bekannten Größen wie John McLaughlin oder Michael League (Snarky Puppy) auf der Bühne.\nSeit 2024 ist sie Dozentin für Jazzgitarre und Ensemble an der Hochschule Luzern (Musik). \nhttps://www.mareillemerck.com/ \n\n\nKlingt so: \n\n  \n\n\n\nENGLISH\nMareille Merck – guitar & composition\nLouise Knobil – bass\nHendrik Eichler – drums \n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\nLARUS is the name of the trio led by bandleader and guitarist Mareille Merck\, who was born in Stralsund in 1996 and lives in Zurich.\nStarting in 2026\, the band will be touring with a new\, international lineup: with the French-Swiss bassist Louise Knobil (Lausanne/Paris) and the Cologne-based drummer Hendrik Eichler\, Merck has found two musicians who are as distinctive as they are innovative\, with whom she brings her original compositions to life. Mareille Merck draws on influences from fingerstyle techniques\, allowing her rock-inspired sensibilities to shine through\, and skillfully weaves these guitaristic nuances with clear jazz structures and memorable motifs. \nhttps://www.mareillemerck.com/larus \nhttps://www.hendrikeichler.com/ \nhttps://knobil-music.com/ \nMerck formed the band in 2018\, though with a different lineup at the time. The band’s years of work have already yielded numerous highlights\, including two albums co-produced with Radio SRF 2 Kultur: Fadenschlag (2021) and Stille Wasser (2023). In 2021\, LARUS was nominated for the ZKB Jazz Prize. Notable concerts included the opening of the Langnau Jazz Nights in a double concert with the Mike Stern Band\, Cully Jazz\, Jazz Onze+\, Schlachthof Bremen\, Moods Zurich\, and many more. \nMerck\, Knobil\, and Eichler view making music together as a journey\, one in which they carry courage\, a spirit of adventure\, and a willingness to take risks. Their companions: evocative compositions and eventful improvisations. And just as Larus\, the seagull\, traverses the most diverse landscapes\, so too do Mareille Merck and her band carry us with their music across bustling beaches\, vast fields\, or rocky shores. \nManfred Papst wrote about the album Stille Wasser in the NZZ: “In fact\, Stille Wasser is an album as colorful as it is dense\, rich in melody and peppered with surprising shifts in tempo and dynamics. The surface may be smooth\, but beneath it all\, the waters are rushing.” (Neue Zürcher Zeitung\, January 8\, 2023) \n\nGuitarist and composer Mareille Merck (b. 1996) grew up on the island of Rügen. She studied jazz guitar with Wolfgang Muthspiel\, Lionel Loueke\, Frank Möbus\, and Kalle Kalima in Weimar\, Lucerne\, and Zurich\, where she has lived for several years. \nIn addition to her trio Larus\, she is also active as a solo artist: in September 2025\, Mareille Merck’s solo album Kaleidoskop was released\, which she produced together with Nik Bärtsch. This was followed by numerous press reviews\, including the Album of the Month award in Gitarre & Bass\, Audiophile Album of the Month in Audio Stereoplay\, and a 5/5-star rating in Jazzthetik. \nMareille serves on the board of the Zurich jazz club Moods. She has shared the stage with renowned artists such as John McLaughlin and Michael League (Snarky Puppy). \nSince 2024\, she has been a lecturer in jazz guitar and ensemble at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts (Music). \nhttps://www.mareillemerck.com/
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SUMMARY:Armbruster · Coudoux · Landfermann · Görris
DESCRIPTION:  \n\nCarlotta Armbruster – Posaune\nElisabeth Coudoux – Cello\nRobert Landfermann – Bass\nJakob Görrsi – Schlagzeug \n\n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nC. Armbruster © Adrian Gallet ; E. Coudoux © Frank Schindelbeck ; R. Landfermann © Patrick Essex ; J. Görris © Niclas Weber\nEs trifft eine eigens für diesen Abend zusammengestellte Formation aufeinander\, die sich ganz der freien Improvisation verschreibt. Die Initiative für dieses Konzert geht von der Posaunistin Carlotta Armbruster und dem Schlagzeuger Jakob Görris aus\, die bereits seit Jahren eng zusammenarbeiten – unter anderem im Carlotta Armbruster Trio – und sich auf die Suche nach einer neuen\, spannungsvollen Besetzung gemacht haben. \nMit dem renommierten Kontrabassisten Robert Landfermann\, der als Professor an der Hochschule für Musik und Tanz Köln prägend auf beide Musiker*innen wirkte\, sowie der Cellistin Elisabeth Coudoux haben sie zwei starke künstlerische Stimmen gefunden. Coudoux\, international in der Szene der freien Improvisation und zeitgenössischen Musik aktiv\, steht für eine eigenständige Praxis zwischen klanglicher Forschung\, performativen Ansätzen und musikalischer Offenheit. \nIm Zentrum des Konzerts steht das gemeinsame Erforschen von Klang und Form im Moment des Entstehens: offen\, risikobereit und stets in Bewegung. Vier individuelle Handschriften treffen aufeinander und verweben sich zu einer kollektiven Klangsprache\, getragen von präzisem Zuhören\, Neugier und Interaktion. \nhttps://carlottaarmbruster.wordpress.com/ \nhttps://www.elisabethcoudoux.com/ \nhttps://robertlandfermann.com/ \nhttps://www.jakobgoerris.de/ \n\n\n\n\n\n\nENGLISH\nCarlotta Armbruster – trombone\nElisabeth Coudoux – cello\nRobert Landfermann – bass\nJakob Görrsi – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\nThis evening features a lineup assembled specifically for this event\, dedicated entirely to free improvisation. The concert is the brainchild of trombonist Carlotta Armbruster and drummer Jakob Görris\, who have been collaborating closely for years – including in the Carlotta Armbruster Trio—and have set out to create a new\, dynamic ensemble. \nIn renowned double bassist Robert Landfermann – who\, as a professor at the Cologne University of Music and Dance\, had a formative influence on both musicians – and cellist Elisabeth Coudoux\, they have found two strong artistic voices. Coudoux\, active internationally in the scenes of free improvisation and contemporary music\, embodies an independent practice that bridges sonic exploration\, performative approaches\, and musical openness. \nAt the heart of the concert is the joint exploration of sound and form in the moment of creation: open\, willing to take risks\, and always in motion. Four individual styles converge and weave together into a collective musical language\, carried by precise listening\, curiosity\, and interaction.
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SUMMARY:Windisch · Volkmann · Kind
DESCRIPTION:Julius Windisch – Piano\nLuise Volkmann – Saxophon\nTabea Kind – Bass \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nT. Kind © Gerhard Richter ; L. Volkmann © Harald Krichel ; J. Windisch © David Mesa\nAuf ein erstes gemeinsames Gespräch: die drei Musiker*innen begegnen sich mit eigenen Kompositionen und freier Improvisation. \nTabea Kind ist Bassistin\, Komponistin und Pädagogin – geboren 1999 in Karlsruhe\, heute zuhause in Köln. Ihre Leidenschaft für Musik entdeckte sie früh. Nach dem Bachelorstudium in Musikpädagogik an der Musikhochschule Freiburg\, das sie 2022 abschloss\, vertiefte sie ihre künstlerische Ausbildung am Jazzcampus Basel\, wo sie 2024 ihren Master erwarb. Prägende Impulse erhielt sie dabei von herausragenden Persönlichkeiten der internationalen Jazzszene: Larry Grenadier\, Patrice Moret\, Bänz Oester\, Dieter Ilg und Jorge Rossy zählen zu ihren Mentoren.\nSie leitet ihr eigenes Trio (Debüt-CD Fragments\, 2024) und arbeitet mit verschiedenen Ensembles zusammen\, darunter Aerie\, Aino Salto\, dem Bundesjazzorchester\, Paul Beskers Vier oder dem Mia Gjakonovski Quartett. Ihre Auftritte führen sie quer durch Europa zu renommierten Festivals und Veranstaltungsorten.\nIm April diesen Jahres wurde verkündet\, dass  Tabea Kind 2026 mit dem Jazz-Preis Baden-Württemberg ausgezeichnet wird. \nhttps://tabeakind.com/ \nJulius Windisch wurde 1995 geboren und wuchs in Offenburg auf. Von 2014-2017 studierte er Jazz Klavier in Bern\, von 2017-2019 im European Jazz Master in Kopenhagen\, Amsterdam und Berlin.\nIm Jahr 2025 erhielt er Künstlerresidenzen im Musikerwohnhaus Basel\, dem Arctic Hideway in Norwegen und in der St. Martinskirche in Kassel\, wo er mehrere Tage an der dortigen mikrotonalen Orgel arbeiten konnte. Das Bremer Streichquartett Pulse hat ein Stück für ihn in Auftrag gegeben für Orgel und Streichquartett\, welches Anfang 2027 live aufgeführt wird.\nIm März 2026 erschien das 2. Album seiner Band immerweiter auf Unit Records. Diese Band tourte 2025 in Istanbul\, Georgien\, Japan und Deutschland. Julius spielte Konzerte im Parco della Musica\, Rom\, beim Jazzfestival Kopenhagen\, Mlada Praha Festival in Prag\, Schwere Reiter in München\, HAU Hebbel am Ufer Berlin\, Dokkhuset in Trondheim\, Norwegen\, Birds Eye in Basel\, Fusion Festival in Lärz\, Unterfahrt München\, KM28 in Berlin\, Jazzopen Stuttgart\, Leipziger Jazztage & Kunst am Bauen Festival Zürich. \nhttps://juliuswindisch.com/ \nLuise Volkmann (* 1992) ist eine in Köln lebende Musikerin und Klangkünstlerin. Ihr bevorzugtes Instrument ist das Saxophon. Ihr musikalisches Schaffen dreht sich um das transformative Potenzial von Musik – mit verschiedenen Bands\, die sie ins Leben ruft und ins Leben gerufen hat.\nLuises Alben wurden von der Zeitschrift „Die Zeit“ und dem Redaktionsnetzwerk Deutschland zu den besten Alben der Jahre 2018 und 2021 gewählt. Als Saxophonistin hat sie mehrere Preise gewonnen und wurde 2020 und 2024 für den Deutschen Jazzpreis nominiert. In den letzten zehn Jahren trat sie bei renommierten Festivals und in Jazzclubs in Europa\, Brasilien und Asien auf\, wobei sie auch Ausflüge in die Pop-\, zeitgenössische und Weltmusik unternahm.\nSie absolvierte ihr Studium in Jazz-Saxophon\, Komposition und Musikwissenschaft in Leipzig\, Paris und Köln. \nhttps://luisevolkmann.com/ \n\n\n\n\n\n\n\n\nENGLISH\nJulius Windisch – piano\nLuise Volkmann – saxophone\nTabea Kind – bass \n\n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\n\nA first joint performance: the three musicians come together with their own compositions and free improvisation. \nTabea Kind is a bassist\, composer\, and educator—born in 1999 in Karlsruhe\, now based in Cologne. She discovered her passion for music at an early age. After completing her bachelor’s degree in music education at the Freiburg University of Music in 2022\, she furthered her artistic training at Jazzcampus Basel\, where she earned her master’s degree in 2024. She received formative inspiration from outstanding figures in the international jazz scene: Larry Grenadier\, Patrice Moret\, Bänz Oester\, Dieter Ilg\, and Jorge Rossy are among her mentors.\nShe leads her own trio (debut CD Fragments\, 2024) and collaborates with various ensembles\, including Aerie\, Aino Salto\, the Swiss Federal Jazz Orchestra\, Paul Besker’s Vier\, and the Mia Gjakonovski Quartet. Her performances take her across Europe to renowned festivals and venues.\nIn April of this year\, it was announced that Tabea Kind will be awarded the Baden-Württemberg Jazz Prize in 2026. \nhttps://tabeakind.com/ \nJulius Windisch was born in 1995 and grew up in Offenburg. From 2014 to 2017\, he studied jazz piano in Bern\, and from 2017 to 2019\, he participated in the European Jazz Master program in Copenhagen\, Amsterdam\, and Berlin.\nIn 2025\, he was awarded artist residencies at the Musikerwohnhaus Basel\, the Arctic Hideaway in Norway\, and St. Martin’s Church in Kassel\, where he was able to spend several days working on the church’s microtonal organ. The Bremen string quartet Pulse has commissioned a piece for him for organ and string quartet\, which will be performed live in early 2027.\nIn March 2026\, his band’s second album\, immerweiter\, was released on Unit Records. The band toured Istanbul\, Georgia\, Japan\, and Germany in 2025. Julius has performed concerts at the Parco della Musica in Rome\, the Copenhagen Jazz Festival\, the Mlada Praha Festival in Prague\, Schwere Reiter in Munich\, HAU Hebbel am Ufer in Berlin\, Dokkhuset in Trondheim\, Norway\, Birds Eye in Basel\, the Fusion Festival in Lärz\, Unterfahrt in Munich\, KM28 in Berlin\, Jazzopen Stuttgart\, the Leipzig Jazz Days\, and the Kunst am Bauen Festival in Zurich. \nhttps://juliuswindisch.com/ \nLuise Volkmann (b. 1992) is a musician and sound artist based in Cologne. Her primary instrument is the saxophone. Her musical work explores the transformative potential of music—through various bands she has founded and continues to lead.\nLuise’s albums were selected by the magazine “Die Zeit” and the Redaktionsnetzwerk Deutschland as among the best albums of 2018 and 2021. As a saxophonist\, she has won several awards and was nominated for the German Jazz Prize in 2020 and 2024. Over the past ten years\, she has performed at renowned festivals and in jazz clubs across Europe\, Brazil\, and Asia\, while also venturing into pop\, contemporary\, and world music.\nShe completed her studies in jazz saxophone\, composition\, and musicology in Leipzig\, Paris\, and Cologne. \nhttps://luisevolkmann.com/
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SUMMARY:A Tribute to R.A. Ramamani
DESCRIPTION:Sarah Buechi – Stimme\nRamesh Shotham – Südindische Perkussion\nZoltán Lantos – Violine\nKarthik Mani – Südindische Perkussion\nStefan Bauer – Marimba\, Vibraphon\nChristoph Haberer – Schlagzeug & Elektronik \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nKarthik Mani – Zoltan Lantos – Christoph Haberer – Sarah Buechi – Stefan Bauer – Ramesh Shotham\nIn diesem Projekt kommen erstklassige Musiker*innen zu einer Hommage an die kürzlich verstorbene hochgeschätzte südindische Sängerin und Komponistin R.A. Ramamani zusammen. \nIn Deutschland wurde Ramamani bekannt durch die Zusammenarbeit des Ensembles Karnataka College of Percussion (KCP) mit Charlie Mariano beim Jazzfest Berlin 1983. Hier präsentierte sie ihre Kompositionen und begeisterte das Publikum mit ihrem virtuosen Gesang und ihren außergewöhnlichen rhythmischen Fähigkeiten. Weitere Stationen waren u.a. Moers Festival 1999\, Leverkusener Jazztage 2003 und RuhrTriennale 2007. \nAlle Musiker*innen dieses Tribute-Projektes arbeiteten persönlich mit Ramamani zusammen. \nMusikalisch stehen in diesem Projekt die Kompositionen von Ramamani im Vordergrund – auch in Verbindung mit westlichlichen Instrumenten und Improvisationen\, ganz in ihrem Sinne einer experimentierfreudigen und neuen Interpretation von traditionellen Werken.\nDarüber hinaus präsentieren die Musiker*innen eigene Kompositionen im Spektrum von Jazz\, Elektronik und Globaler Musik. \nhttps://www.sarahbuechi.com/ \nhttps://www.shotham.org/ \nhttps://de.wikipedia.org/wiki/Zolt%C3%A1n_Lantos \nhttps://karthikmani.com/ \nhttps://stefanbauer.net/ \nhttps://christoph-haberer.de/ \n\n\n\n\n\n\n\n\nENGLISH\n\nSarah Buechi – Stimme\nRamesh Shotham – Südindische Perkussion\nZoltán Lantos – Violine\nKarthik Mani – Südindische Perkussion\nStefan Bauer – Marimba\, Vibraphon\nChristoph Haberer – Schlagzeug & Elektronik \n\n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\n\nIn this project\, world-class musicians come together to pay tribute to the recently deceased\, highly esteemed South Indian singer and composer R.A. Ramamani. \nRamamani became known in Germany through the collaboration between the Karnataka College of Percussion (KCP) ensemble and Charlie Mariano at the 1983 Jazzfest Berlin. There\, she presented her compositions and captivated the audience with her virtuoso vocals and extraordinary rhythmic skills. Other notable appearances included the Moers Festival in 1999\, the Leverkusener Jazztage in 2003\, and the RuhrTriennale in 2007. \nAll the musicians in this tribute project worked personally with Ramamani. \nMusically\, this project focuses on Ramamani’s compositions – including in combination with Western instruments and improvisations\, fully in keeping with her spirit of experimental and innovative interpretations of traditional works. \nIn addition\, the musicians present their own compositions spanning the spectrum of jazz\, electronic\, and world music.
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SUMMARY:Johannes Knoll Large Ensemble: Beren und Lúthien | live recording
DESCRIPTION:Christian Mehler – Trompete\nChristian Höhn – Trompete\nJohannes Knoll – Trompete & Komposition\nErik Konertz – Posaune\nCarlotta Armbruster – Posaune\nTobi Herzog – Tuba\nMelanier Streitmatter – Bass\nLudvig Søndergaard – Schlagzeug \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nJohannes Knoll © Jakob Marsmann\nMit dem Beren und Lúthien erwartet das Publikum eine besondere musikalische Reise in die faszinierende Welt der Mythologie Tolkiens.\nBasierend auf der bewegenden Geschichte aus J.R.R. Tolkiens Silmarillion erzählt Beren und Lúthien die Legende von der Liebe zwischen einem sterblichen Menschen und einer Elbenprinzessin. Diese zeitlose Geschichte wird durch das achtköpfige Large Ensemble von Johannes Knoll vertont. Die herausragenden Solisten übernehmen dabei zum Beispiel die Rolle eines Helden und finden sich in einem Zweikampf mit einem Riesenhund wieder. Dabei werden die Solisten immer wieder abgelöst durch große orchestrale Klänge\, die sich an Strawinsky\, Mahler oder Bach anlehenen. Diese Mischung aus Solisten und Bandklang erinnert an Gil Evans mit Miles Davis oder auch an Duke Ellingtons größere Werke\, den großen Meistern des orchestralen Jazz. \nhttps://johannesknoll.com/ \n\nKlingt so ähnlich: \n\n  \n\n\n\n\n\n\n\n\nENGLISH\nChristian Mehler – trumpet\nChristian Höhn – trumpet\nJohannes Knoll – trumpet & composition\nErik Konertz – trombone\nCarlotta Armbruster – trombone\nTobi Herzog – tuba\nMelanier Streitmatter – bass\nLudvig Søndergaard – drums \n\n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\n\nWith Beren and Lúthien\, the audience is in for a special musical journey into the fascinating world of Tolkien’s mythology.\nBased on the moving story from J.R.R. Tolkien’s The Silmarillion\, Beren and Lúthien tells the legend of the love between a mortal man and an Elven princess. This timeless story is set to music by Johannes Knoll’s eight-piece large ensemble. The outstanding soloists take on roles such as that of a hero and find themselves in a duel with a giant hound. The soloists are repeatedly interspersed with grand orchestral sounds inspired by Stravinsky\, Mahler\, or Bach. This blend of soloists and ensemble sound evokes Gil Evans with Miles Davis or Duke Ellington’s major works—the great masters of orchestral jazz.
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SUMMARY:Theorie des Ensembles: Brinkmann / Sprangers / Thomé feat. Nguyên Lê
DESCRIPTION:Jörg Brinkmann – Cello\nKika Sprangers – Saxophon\nChristian Thomé – Schlagzeug \nspecial guest: Nguyên Lé – Gitarre \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nDie Geometrie des Einklangs\n\nIm Jazz ist die Zahl drei mehr als eine bloße Ziffer. Sie bildet die kleinste Einheit der Demokratie\, ein fragiles Gleichgewicht\, das ständig nach Auflösung strebt. Die Theorie des Ensembles meint nicht die trockene Übung der Mengenlehre (französisch: théorie des ensembles)\, sondern die Magie\, die entsteht\, wenn sich drei musikalische Biografien zu einem einzigen\, lebendigen Klangkörper vereinen.\nDas Trio aus Kika Sprangers\, Jörg Brinkmann und Christian Thomé ist ein Experiment über Freiheit. Es verkörpert das grenzübergreifende Paradoxon einer Musik\, die ihre Grenzen kennt – nur um sie im Moment des Spiels genussvoll zu überschreiten. \n\nKika Sprangers – Jörg Brinkmann – Christian Thomé\nDie Protagonisten der Schnittmenge\n\nChristian Thomé am Schlagzeug gibt nicht den Takt vor\, sondern forscht im Rhythmus\, wie ein akustischer Alchemist\, ganz Mad Scientist\, wie ihn manche nennen. In seinem Spiel steckt stets forschende Neugier\, er jongliert mit Gegensätzen und erzeugt Groove\, wo er am wenigsten erwartbar ist. So wissenschaftlich wie emotional vereint er die archaische Wucht der Perkussion mit der Feinheit moderner Klangforschung. \nhttps://www.christianthome.de/ \nIhm gegenüber steht Kika Sprangers. Ihr Saxofonspiel trägt die ganze Geschichte der Jazz-Improvisation in sich. Als „Upcoming Talent“ aus Amsterdam beeindruckt sie mit einer Reife\, die ihre Jahre weit übersteigt. Ihr Sound ist mehr als Klang: Er erzählt Geschichten\, die sich mühelos in die komplexen Strukturen ihrer Mitspieler einfügen. \nhttps://kikasprangers.nl/en/ \nDas verbindende Element – oder vielleicht der Katalysator – ist Jörg Brinkmann. Sein Cello bleibt im Jazz eine Seltenheit\, ein Grenzgänger zwischen Klassik und improvisierter Moderne. Brinkmann schöpft die Vielfalt seines Instruments aus\, erweitert sie und schafft harmonische Überlagerungen. Durch sein Spiel klingt Theorie des Ensembles mal wie Kammermusik\, mal wie Avantgarde und mal wie – ein Jazztrio. \nhttp://www.pimpercell.com/ \n\nNguyên Lé & Christian Thomé\nDas Amalgam des Augenblicks\n\nDas Trio Theorie des Ensembles hält nicht viel von strenger Mengenlehre. Das Konzept ist offen für Ergänzung\, Erweiterung und Reibung. Ihr erster Gastmusiker ist Nguyên Lê\, von dem die FAZ einmal schrieb: „So wie er spielt niemand Gitarre.“ Die JazzTimes stellte ihn sogar in eine Reihe mit John Scofield und Bill Frisell. Lê und Sprangers spannen einen generationsübergreifenden Bogen\, Brinkmann und Thomé fügen sich biografisch ein. Das Ergebnis aber ist keine bloße Addition von Lebensläufen und Talenten – es ist die Schaffung eines ungeplanten\, neuartigen\, Neues wagenden Amalgams. \nhttps://www.nguyen-le.com/Site_Nu/Bonjour.html \nWenn diese Musizierenden aufeinandertreffen\, hinterfragen sie kulturelle Grenzen. Ihre Musik wagt den Spagat zwischen strenger Komposition und freier Improvisation. Sie lehnt das Nationale und stilistisch Festgelegte ab. In einer Welt\, die mehr und mehr in unversöhnliche Teile zerfällt\, beweist dieses Trio plus X das Gegenteil: Musik findet ihre größte Intensität in der Schnittmenge. Theorie des Ensembles ist mehr als ein Projekt. Es ist ein Versprechen\, dass aus Eigenheit\, Andersheit und Verschiedenheit leicht und spielerisch etwas Neues entstehen kann.\nDiese Mengenlehre muss man nicht begreifen.\nMan muss sie hören. \n\nKlingt so: \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nENGLISH\nJörg Brinkmann – cello\nKika Sprangers – saxophone\nChristian Thomé – drums \nspecial guest: Nguyên Lé – guitar \n\n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\n\nThe Geometry of Harmony \nIn jazz\, the number three is more than just a digit. It forms the smallest unit of democracy\, a fragile balance that constantly strives toward dissolution. The theory of the ensemble does not refer to the dry exercise of set theory (French: théorie des ensembles)\, but rather to the magic that arises when three musical biographies unite to form a single\, living body of sound.\nThe trio of Kika Sprangers\, Jörg Brinkmann\, and Christian Thomé is an experiment in freedom. It embodies the boundary-crossing paradox of music that knows its limits – only to delightfully transcend them in the moment of performance. \nThe Protagonists of the Intersection \nChristian Thomé on drums doesn’t simply set the beat; instead\, he explores the rhythm like an acoustic alchemist—a true mad scientist\, as some call him. His playing is always driven by an inquisitive curiosity; he juggles opposites and creates groove where it’s least expected. With an equal measure of scientific rigor and emotional depth\, he combines the archaic power of percussion with the subtlety of modern sound exploration. \nhttps://www.christianthome.de/ \nOpposite him is Kika Sprangers. Her saxophone playing embodies the entire history of jazz improvisation. As an up-and-coming talent from Amsterdam\, she impresses with a maturity far beyond her years. Her sound is more than just sound: it tells stories that blend effortlessly into the complex structures of her fellow musicians. \nhttps://kikasprangers.nl/en/ \nThe unifying element—or perhaps the catalyst – is Jörg Brinkmann. His cello remains a rarity in jazz\, a bridge between classical music and improvised modernism. Brinkmann draws on the full range of his instrument\, expands its possibilities\, and creates harmonic textures. Through his playing\, Theorie des Ensembles sounds at times like chamber music\, at times like avant-garde\, and at times like—a jazz trio. \nhttp://www.pimpercell.com/ \nThe Amalgam of the Moment \nThe Trio Theorie des Ensembles doesn’t think much of strict set theory. The concept is open to additions\, expansions\, and friction. Their first guest musician is Nguyên Lê\, of whom the FAZ once wrote: “No one plays the guitar the way he does.” JazzTimes even placed him in the same league as John Scofield and Bill Frisell. Lê and Sprangers bridge a generational gap\, while Brinkmann and Thomé fit in biographically. The result\, however\, is not merely a sum of résumés and talents – it is the creation of an unplanned\, novel amalgam that dares to venture into the new. \nhttps://www.nguyen-le.com/Site_Nu/Bonjour.html \nWhen these musicians come together\, they challenge cultural boundaries. Their music walks the tightrope between strict composition and free improvisation. It rejects the national and the stylistically fixed. In a world that is increasingly fracturing into irreconcilable parts\, this trio plus X proves the opposite: music finds its greatest intensity at the intersection. Theorie des Ensembles is more than a project. It is a promise that something new can emerge easily and playfully from individuality\, otherness\, and diversity.\nYou don’t have to understand this set theory.
URL:https://www.loftkoeln.de/event/theorie-des-ensembles-brinkmann-sprangers-thome-feat-nguyen-le/
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SUMMARY:Jonas Neubauer Quintett | live recording
DESCRIPTION:Jonas Neubauer – Saxophon & Klarinette\nDavid Sanwald – Saxophon\nJustin Zitt – Piano\nMario Angelov – Bass\nMicha Jesske – Schlagzeug \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\n\nJonas Neubauer Quintett © Max Schroth\nDas Jonas Neubauer Quintett gehört zu den spannendsten jungen Formationen der aktuellen Jazzszene im deutschsprachigen Raum. Unter der Leitung des Saxophonisten und Komponisten Jonas Neubauer vereint das Ensemble fünf Musikerpersönlichkeiten\, die mit Energie\, Präzision und einer unverwechselbaren klanglichen Handschrift auftreten. \nNeubauers Kompositionen verbinden moderne Jazzästhetik mit lyrischen Melodiebögen\, überraschenden harmonischen Wendungen und einer Spielfreude\, die in jedem Moment spürbar wird. Die Stücke schaffen Raum für ausdrucksstarke Improvisationen\, dichte Ensemblepassagen und intime musikalische Dialoge. \nDas Quintett überzeugt live durch eine außergewöhnliche Bühnenpräsenz: dynamisch\, kommunikativ und gleichzeitig tief fokussiert. Die Musiker bewegen sich souverän zwischen kraftvollen Groove-Passagen\, atmosphärischen Klangflächen und virtuosen Soli – stets getragen von einem klaren konzeptionellen Fundament.\nMit seinem frischen\, modernen Zugang und einem organischen Zusammenspiel schafft das Jonas Neubauer Quintett ein Klangbild\, das sowohl Jazzkenner*innen als auch ein breiteres Publikum begeistert. Das Ensemble steht für zeitgenössischen Jazz auf hohem künstlerischen Niveau – leidenschaftlich\, charakterstark und voller musikalischer Neugier. \n\n\n\n\n\n\n\n\nJonas Neubauer – saxophone & clarinet\nDavid Sanwald – saxophone\nJustin Zitt – piano\nMario Angelov – bass\nMicha Jesske – drums\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\nThe Jonas Neubauer Quintet is one of the most exciting young ensembles on the current jazz scene in the German-speaking world. Led by saxophonist and composer Jonas Neubauer\, the ensemble brings together five distinctive musicians who perform with energy\, precision\, and an unmistakable sonic signature. \nNeubauer’s compositions blend modern jazz aesthetics with lyrical melodies\, surprising harmonic twists\, and a joy of playing that is palpable at every moment. The pieces create space for expressive improvisations\, dense ensemble passages\, and intimate musical dialogues. \nThe quintet captivates live audiences with an extraordinary stage presence: dynamic\, communicative\, and deeply focused. The musicians move confidently between powerful groove passages\, atmospheric soundscapes\, and virtuosic solos—always grounded in a clear conceptual foundation.\nWith its fresh\, modern approach and organic interplay\, the Jonas Neubauer Quintet creates a sound that delights both jazz connoisseurs and a broader audience. The ensemble stands for contemporary jazz of the highest artistic caliber—passionate\, full of character\, and brimming with musical curiosity.
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SUMMARY:Dietmar Bonnen & Merzouga | Release Konzert: Once upon a time in Santorini
DESCRIPTION:Dietmar Bonnen – Piano\, präpariertes Piano\, Stöcke & Steine\n\nMerzouga:\nEva Pöpplein – Elektronik\nJanko Hanushevsky – präparierter E-Bass\, akustische Kontrabassgitarre \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nSantorini – eine Insel der Widersprüche\, wo Mythologie auf Massentourismus prallt. Eine Zufallsbegegnung führt zu diesem energiegeladenen Trio: In der Komposition once upon a time in Santorini treffen Klangkunst auf uralte Volksmusik\, Field-Recordings auf High-Energy-Musik und freie Improvisation. \n\n© Peter Hölscher\nDietmar Bonnen (*1958 in Köln)\, studierte Musik und Kunst in Köln und Düsseldorf. 1981 gründete er das Avantgarde-Rock-Ensemble Fleisch – ein früher Fingerzeig auf eine Karriere\, die sich konsequent jeder Schublade entzieht.\n1991 erschien seine vielbeachtete CD Bonnen spielt\, auf der er erstmals Orgeln und Akustiken verschiedener Kirchen durch popmusikalische Aufnahmetechniken in einem einzigen Stück vereinte – ein Verfahren\, das damals ohne Vorbild war. Neben Werken von Ligeti\, Hindemith\, Ives und Reger enthält die Einspielung zwei Erstaufführungen früher John-Cage-Kompositionen.\nEs folgten Jahrzehnte voller CD-Produktionen in den unterschiedlichsten Genres: Soundscape-Kompositionen wie das einstündige Beijing\, aufgenommen 1993/94 für den WDR\, Neuarrangements von Musik zwischen Frank Zappa und Claudio Monteverdi\, Hildegard von Bingen und Jimi Hendrix. Inzwischen umfasst sein Œuvre über 100 Veröffentlichungen sowie Kompositionsaufträge für Rundfunkanstalten\, Film\, Fernsehen und Theater.\nKonzerte in Europa\, Asien\, Südamerika und vor allem Russland führten zu langjährigen Kollaborationen – unter anderem zur Gründung des Russisch-Deutschen Komponistenquartetts mit Alexei Aigui und Ivan Sokolov aus Moskau sowie Manfred Niehaus aus Köln. Daneben gründete er sein eigenes Label Obst Musik und war über Jahre Moderator des Kölner Klangkunst-Radioformats FUNKT sessions.\nBestimmend für Bonnens kompositorisches Denken sind so unterschiedliche Referenzen wie Johann Sebastian Bach\, Jimi Hendrix\, Pier Paolo Pasolini\, Joseph Beuys und John Cage – eine Konstellation\, die seinen Zugang treffend beschreibt: intellektuell geschärft\, aber nie akademisch verschlossen\, immer auf der Suche nach dem Klang zwischen den Genres. \nhttps://dietmar-bonnen.com/ \n\n© Andreas Vandenhoff\nEva Pöpplein (Elektronikerin und Tonmeisterin) und Janko Hanushevsky (E-Bassist und Radioautor) spielen als Duo Merzouga Konzerte\, komponieren Klangkunst\, produzieren kulturelle Features und Hörspiele sowie Musik für Radio\, Fernsehen und Film.\nMerzouga präsentierte Konzerte\, Klanginstallationen und Uraufführungen u.a. in der Elbphilharmonie in Hamburg\, im Deutschlandfunk Kammermusiksaal in Köln\, im Museum Schnütgen in Köln\, im HAU Hebbel am Ufer in Berlin\, im Münchner Volkstheater und im Ethnologischen Museum in Berlin. Ihre Rundfunkproduktionen wurden international vielfach ausgezeichnet\, und von allen ARD-Anstalten europaweit ausgestrahlt. Zuletzt gewann ihr Hörspiel Memory Garden (Deutschlandfunk / Österreichischer Rundfunk) den 1. Preis beim 9. Grand Prix Nova in Bukarest.\nMerzouga verbindet eine enge Zusammenarbeit mit zahlreichen Künstler*innen\, darunter Christian Brückner\, Ueli Jäggi\, Felix von Manteuffel\, Leslie Malton und Sean Scully.\nIn der Spielzeit 2021/22 zeichnet Merzouga an der Deutschen Oper am Rhein für die Komposition von Die unbedingten Dinge verantwortlich \nhttp://www.merzougamusic.com/ \n\n\n\n\n\n\n\n\nENGLISH\nDietmar Bonnen – piano\, prepared piano\, sticks & stones\n\nMerzouga:\nEva Pöpplein – electronics\nJanko Hanushevsky – prepared electric bass\, acoustic contrabassguitar \n  \n\n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\n\nSantorini – an island of contradictions\, where mythology clashes with mass tourism. A chance encounter gives rise to this energetic trio: In the composition Once Upon a Time in Santorini\, sound art meets ancient folk music\, field recordings meet high-energy music\, and free improvisation. \n\nDietmar Bonnen (born in Cologne in 1958) studied music and art in Cologne and Düsseldorf. In 1981\, he founded the avant-garde rock ensemble Fleisch – an early indication of a career that has consistently defied categorization.\nIn 1991\, his highly acclaimed CD Bonnen spielt was released\, on which he combined organs and acoustic instruments from various churches into a single piece for the first time using pop music recording techniques—a method that was unprecedented at the time. In addition to works by Ligeti\, Hindemith\, Ives\, and Reger\, the recording features two world premieres of early John Cage compositions.\nThis was followed by decades of CD productions across a wide variety of genres: soundscape compositions such as the one-hour “Beijing\,” recorded in 1993–94 for WDR\, and new arrangements of music ranging from Frank Zappa to Claudio Monteverdi\, Hildegard von Bingen\, and Jimi Hendrix. His body of work now comprises over 100 releases as well as commissions for radio stations\, film\, television\, and theater.\nConcerts in Europe\, Asia\, South America\, and especially Russia led to long-standing collaborations—including the founding of the Russian-German Composers’ Quartet with Alexei Aigui and Ivan Sokolov from Moscow\, as well as Manfred Niehaus from Cologne. In addition\, he founded his own label\, Obst Musik\, and for years served as the host of the Cologne-based sound art radio program FUNKT sessions.\nBonnen’s compositional thinking is shaped by such diverse influences as Johann Sebastian Bach\, Jimi Hendrix\, Pier Paolo Pasolini\, Joseph Beuys\, and John Cage—a constellation that aptly describes his approach: intellectually sharp but never academically closed off\, always in search of the sound that lies between genres. \nhttps://dietmar-bonnen.com/ \n\nEva Pöpplein (electronics engineer and sound engineer) and Janko Hanushevsky (electric bassist and radio writer) perform concerts as the duo Merzouga\, compose sound art\, and produce cultural features\, radio plays\, and music for radio\, television\, and film.\nMerzouga has presented concerts\, sound installations\, and world premieres at venues including the Elbphilharmonie in Hamburg\, the Deutschlandfunk Chamber Music Hall in Cologne\, the Museum Schnütgen in Cologne\, the HAU Hebbel am Ufer in Berlin\, the Munich Volkstheater\, and the Ethnological Museum in Berlin. Their radio productions have won numerous international awards and have been broadcast by all ARD stations across Europe. Most recently\, their radio play *Memory Garden* (Deutschlandfunk / Österreichischer Rundfunk) won first prize at the 9th Grand Prix Nova in Bucharest.\nMerzouga collaborates closely with numerous artists\, including Christian Brückner\, Ueli Jäggi\, Felix von Manteuffel\, Leslie Malton\, and Sean Scully.\nIn the 2021/22 season\, Merzouga is responsible for the composition of Die unbedingten Dinge at the Deutsche Oper am Rhein. \nhttp://www.merzougamusic.com/
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SUMMARY:Dicke Luft: Nach Oben
DESCRIPTION:Blasorchester DICKE LUFT mit\nRobby Groß – Gitarre\nBogdan Ślusarski – Schlagzeug\nDietmar Bonnen – Leitung\n \n\n(english: see below) \nWeitere Informationen zu den Preisen\, Karten-Reservierungen und den Öffnungszeiten finden Sie hier.\n\n\n\nDicke Luft © Axel Peters\nKurz vor seinem 50. Geburtstag erfüllt Kölns einzig wahres Blasorchester den Herzenswunsch aus Berlin: Wir müssen mehr und länger arbeiten.\nUnd Dicke Luft ackert so staatstragend\, dass es eine Freude ist.\nDas erste Fleißkärtchen in diesem Jahr gab’s für Nach oben\, den neuen Tonträger. Das Ensemble bedient dabei moderne Trends und hat eine klassische Langspielplatte produziert.\nWeiter geht’s im LOFT\, wo Dicke Luft besonders gerne eine Sonderschicht schiebt. Präsentiert wird der Grundgedanke des analogen Werks und des Orchesters. Das ist die Freude am Ignorieren von Genre- und Ideologiegrenzen. \nhttps://dickeluft.de/ \nDas Programm ist wie die nagelneue Platte\, also poetisch\, politisch\, wild\, rund und schön. Wer hören möchte\, wie man Björk\, Bonnen\, Coltrane oder Miles mit Ernst Jandl kombiniert\, ist herzlich willkommen.\nDicke Luft im LOFT bringt ganz viel Musik\, Farben\, Gedanken und Artverwandtes. \nViel Spaß! \n\n\n\n\nKann so ähnlich klingen: \n\n\n\n\n\n\n\n\nENGLISH\nWind orchestra DICKE LUFT with\nRobby Groß – guitar\nBogdan Ślusarski – percussion\nDietmar Bonnen – conductor \n\n\nFurther information about prices\, ticket reservations and our opening times can be found here.\n\n\n\n\n\nJust before its 50th anniversary\, Cologne’s one and only true wind orchestra is fulfilling Berlin’s heartfelt wish: We need to work harder and longer.\nAnd Dicke Luft is working so diligently that it’s a joy to watch.\nThe first “good work” card this year went to Nach oben\, the new album. The ensemble embraces modern trends while producing a classic LP.\nThe journey continues at LOFT\, where Dicke Luft particularly enjoys putting in an extra shift. The core concept of the analog work and the orchestra is presented: the joy of ignoring genre and ideological boundaries.\nThe program is just like the brand-new record: poetic\, political\, wild\, well-rounded\, and beautiful. Anyone who wants to hear how Björk\, Bonnen\, Coltrane\, or Miles can be combined with Ernst Jandl is warmly welcome.\nDicke Luft at the LOFT brings lots of music\, colors\, thoughts\, and related art. \nHave fun!
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